LES NOSTRES CRÒNIQUES DELS MILLORS FESTIVALS DE CINEMA AMB EXTENSES CRÍTIQUES SOBRE ELS FILMS PROJECTATS

ESPECIAL 24 PÁGS. SITGES 2009

12 DÍAS EN SITGES por Raúl Ruiz

SITGES 2008: EL MIRALL I EL NEN

40 anys després: 2001, una odisea del espacio i La noche de los muertos vivientes

2001

Un monòlit negre acompanyat de l’Així parlà Zarathustra de Richard Strauss. Unes naus espacials movent-se a ritme de vals. Un ordinador enfrontat a un astronauta. Un viatge al·lucinogen a través de l’univers. Aquests són alguns dels elements més recordats de 2001: una odisea del espacio, homenatjada pel seu 40^è aniversari en el Sitges 2008 - Festival Internacional de Cinema de Catalunya. Molts són els elogis que va rebre Stanley Kubrick quan es projectà la seva obra mestra a l’Auditori Melià, en unes condicions envejables, amb la presència de la seva vídua Christiane, els actors Keir Dullea i Gary Lockwood i els responsables d’efectes especials Douglas Trumbull i Collin Arthur. Sens dubte 2001: una odisea del espacio fou la gran experiència cinèfila del festival, més encara perquè després dels valsos espacials els membres de l’equip van reivindicar la figura de Kubrick.  

Un ambient diferent es va respirar en un altre 40^è aniversari, el de La noche de los muertos vivientes. Tot i l’absència del director George A. Romero, els personatges històrics (Russ Streiner, Bill Hinzman, Judy O’Dea, George Kosana i el guionista John A. Russo) es van trobar amb una legió d’aficionats vestits de morts vivents disposats a participar en l’Eastpak Zombie Walk. Amb aquesta idea el festival va voler subratllar la importància que concedeix als fans i a les pel·lícules de culte, així com al gènere de zombis, que va disposar d’una nit sencera de la secció Midnight X-Treme.

Tot i les òbvies diferències entre 2001: una odisea del espacio i La noche de los muertos vivientes, ajuntar-les ens pot servir de punt de partida per a traçar un breu recorregut per la Secció Oficial Fantàstic a Competició del Festival (afegint-hi els films d’inauguració i clausura), una llista de títols amb punts en comú que ens permeten especular sobre algunes característiques del cinema fantàstic actual, com a mínim aquell admès a competir a Sitges. Tant el film de Kubrick com el de Romero tracten sobre l’ésser humà enfrontat als seus extrems: en el primer cas es tracta de la racionalitat de HAL 9000, en el segon de la bestialitat dels morts vivents. Són dues cares de la mateixa moneda que equilibrades constitueixen l’home, però que en desequilibri condueixen a la deshumanització sense pietat, que porta a desconnectar les funcions vitals dels astronautes hibernats o a menjar carn humana. Els protagonistes de 2001: una odisea del espacio i La noche de los muertos vivientes s’enfronten, en realitat, als seus propis fantasmes, a ells mateixos, als seus reflexos.

Jocs de miralls: Reflejos, The Broken, Tale 52, Your name here

Reflejos

Els reflexos, de fet, sempre són fascinants i terrorífics. No en va el festival es va inaugurar amb una pel·lícula sobre la por als miralls, precisament anomenada Reflejos, la darrera aposta del director francès Alexandre Aja, consagrat amb Alta tensión i Las colinas tienen ojos. Efectivament, la història de Reflejos parla de miralls i de com aquests poden reunir el mal i la violència, resultat d’un trauma passat que el vigilant de seguretat que encarna Kiefer Sutherland s’encarregarà de resoldre. Tot i el plantejament atractiu, la pel·lícula va decebre per la seva factura més comercial respecte altres obres d’Aja i per la seva redundància en una mateixa idea que acaba esgotant-se. L’argument del doble, tan adient a una història de miralls, no s’explota suficientment, tot i que es subratlla que en els reflexos s’oculta un univers maligne i amenaçant.

Una idea similar es destil·la de The Broken, de Sean Ellis. En aquesta pel·lícula els dobles suplanten les persones reals a través dels miralls, proposant una nova idea a partir de la figuració de La invasión de los ladrones de cuerpos: els suplantadors són éssers sense emocions. De tota manera, la pel·lícula en general és tramposa i el conflicte intern dels personatges es queda en un apunt, convertint la cinta en un simple joc narratiu.

I parlant de jocs narratius, i miralls que permeten conèixer-se a un mateix, arribem a les dues ficcions mentals de la secció, dues entrades fallides en el cap de personatges trastocats que demostren que el treball de la confusió temporal i personal no sempre és eficaç. Un d’ells fou Tale 52, òpera prima del grec Alexis Alexiou, configurada com una mescla de Memento i Atrapado en el tiempo: el film esbossa una història sentimental que es repeteix diverses vegades, donant sempre una segona oportunitat per a continuar, per què el personatge reescrigui la seva pròpia història. Una pel·lícula de bogeria que va endur-se el premi al Millor Guió, tot i que en realitat la seva complicació devora la història, lluny dels referents abans citats.

I mantenint-se en el cervell, tot i que prenent una direcció completament diferent, es troba Your name here, una entrada a l’univers personal i narratiu de Philip K. Dick, en què el personatge constantment dubta si es troba en la realitat o el somni. El punt de partida de la pel·lícula és interessant i es beneficia de la interpretació de Bill Pullman com a escriptor desganat i confós per la trama de corrupció que l’envolta. Ara bé, el film de Matthew Wilder no es troba al nivell dels guions de Charlie Kaufman i no arriba més enllà de la història de mentides en què el govern vol fer servir la figura de l’escriptor com a propaganda política.   

Cròniques de la corrupció i el poder: Surveillance, The Chaser, The Cottage, The Good, The Bad, The Weird, Crows Zero

Surveillance

La lectura crítica que es pot fer de Your name here és molt més explícita en dues pel·lícules que s’allunyen del fantàstic per a endinsar-se en el gènere negre i dibuixar dures denúncies de l’activitat policial. La primera d’elles és, òbviament, Surveillance, de Jennifer Lynch, premiada com a Millor Pel·lícula. El segon llargmetratge de la filla del director de Terciopelo azul se centra en una sèrie d’assassinats i la reconstrucció que en fa cadascun dels personatges, amb un ritme narratiu que no decau malgrat els escassos fets que explica. Amb un humor negre i absurd que recorda escenes de la filmografia del seu pare, Jennifer Lynch dibuixa un cos policial ineficaç i desolador que en un discutit gir final adquireix una nova dimensió. Surveillance no fou l’aposta més interessant del festival, però tant la seva trama com els actors (entre ells Julia Ormond i Bill Pullman) resulten eficaços.

En una línia semblant es troba la coreana The Chaser, de Na Hong-jin, que subratlla la inutilitat de la policia amb una distància i un humor negre que recorden a Memories of Murder, de Bong Joon-ho. El principal interès de The Chaser és que parla més de l’absurditat dels procediments policials que de la persecució de l’assassí, i tot i les seqüències d’acció el seu poder rau precisament en els moments d’inactivitat a comissaria. La pel·lícula rebé el premi Orient Express - Casa Àsia i fou una de les propostes més sòlides de la Secció Oficial Fantàstic a Competició, tot i que en el seu tram final perd la visió irònica i s’allarga excessivament.

Movent-se també en l’argument de la persecució, de botxins i víctimes, i amb un humor negre producte de la incapacitat dels personatges, es troba The Cottage, de Paul Andrew Williams, tot i que en aquest cas la comèdia s’exagera i l’argument es descontrola fins a derivar en una esbojarrada paròdia de La matanza de Texas. Aquí els estúpids no són els policies, sinó els segrestadors, tot i que comparteix amb The Chaser la voluntat paròdica respecte els arquetips del gènere negre. The Cottage fou una de les pel·lícules menys ambicioses de la secció, tot i que ni de bon tros la pitjor, ja que la relació entre els dos germans, malgrat els múltiples excessos del guió, acaba resultant entranyable.

Podem assenyalar, doncs, una línia dins dels films a competició consistent en la reescriptura paròdica del gènere negre, que abraçaria des de Surveillance fins a The Cottage, passant per The Chaser. Reescriptures com la que féu un altre coreà, Kim Jee-won, d’un clàssic de Sergio Leone amb The Good, the Bad, the Weird, un western sòlid i ben conduït ambientat a l’Extrem Orient, amb un interessant sentit de l’humor i uns personatges entranyables. Les impressionants seqüències de batalla probablement sumaren punts per a atorgar-li el premi a Millor Director, però tot i la gran construcció formal de l’espectacle a la pel·lícula es troben a faltar idees de fons o propostes més arriscades.

The Good, the Bad, the Weird explica una lluita pel poder concentrat en un mapa. Val la pena parlar aquí d’una altra lluita de poder: la de Crows Zero, la pel·lícula més taquillera de la filmografia de Takashi Miike. Crows Zero explica la rivalitat entre uns individus per a aconseguir el control de l’institut Suzuran, un espai on abunden les baralles entre bandes juvenils encapçalades per líders carismàtics. Tot i que és menys exuberant que altres obres del mateix director, com ara Ichi the Killer, la pel·lícula aconsegueix traçar una bona història i mostra obertament les connexions entre les bandes i els yakuzes. Com The Good, the Bad, the Weird, Crows Zero no fou una de les obres més memorables de Sitges, però la seva construcció era eficaç i coherent.

Cinema espanyol: beure d’altres llenguatges: Prime Time, Sexykiller, Santos

Sexykiller

Un capítol a part mereixen les pel·lícules espanyoles a competició. Com Crows Zero, Prime Time, òpera prima de Luis Calvo Ramos, també explica una lluita pel poder: un reality show en què els concursants poden morir, una mescla de Sis a traïció i Deu negrets lamentablement no tan allunyada de la realitat. Prime Time reuneix en un plató uns quants representants de la societat espanyola (una desequilibrada refugiada en la religió, un militar i un immigrant, entre d’altres) i proposa una lluita pel poder en què només un pot sobreviure; tot i el plantejament atractiu i el bon ritme de la narració, Prime Time no aprofundeix suficientment en els personatges i acaba posant l’estructura de joc per sobre de les emocions. Malgrat això, cal valorar la seva crítica a la televisió, reforçada amb una estratègia publicitària consistent en la creació d’un canal sensacionalista fals a Internet, un fake per a reforçar el joc de miralls cinema / televisió (convertit en cinema / televisió / Internet) i demostrar a l’espectador la versemblança de la idea original.

Però el joc d’influències entre diferents llenguatges no es limita a Prime Time. Si el film de Luis Calvo Ramos parla de la televisió i es connecta amb Internet, Sexykiller, de Miguel Martí, juga constantment amb el llenguatge publicitari, i Santos, de Nicolás López, parteix del món del còmic. Aquestes dues comèdies, lleugeres i poc ambicioses, usen la paròdia per a cercar la complicitat de l’espectador; la diferència rau en què, si bé en el cas de Sexykiller la mofa dels serial killers i del gènere de zombis, conscient de les seves limitacions i beneficiada per la gràcia de Macarena Gómez, resulta en alguns moments divertida, en el cas de Santos ni l’humor dels superherois freaks ni la història més seriosa atrapen l’espectador, situant-se molt lluny de l’Álex de la Iglesia d’Acción mutante.

Un cinema espanyol poc encoratjador però amb transvasaments i paròdies entre cinema, televisió, Internet, publicitat i còmics, tot plegat culminant en la presentació de Teaserland, el Festival Internacional de Tràilers Falsos, un joc a la xarxa en què diversos cineastes es riuen de si mateixos imaginant pel·lícules falses dins dels seus particulars universos. La iniciativa està en marxa i val la pena subratllar els treballs de Jaume Balagueró i Isabel Coixet, capaços d’autoparodiar-se amb tràilers creïbles fins a l’aparició del títol final.   

Tancament i obertures: Absurdistan, The Burrowers, Fighter, Blindness, Tokyo!

Blidness

Els jocs de miralls permeten conèixer-se a un mateix i treballar a partir del gènere o els diferents llenguatges; ara bé, l’argument essencial del festival, més enllà d’un mateix o la paròdia, es troba en el coneixement de l’altre. Un coneixement moltes vegades impossible, com ocorre a Absurdistan, de Veit Helmer, una localitat aïllada del món on l’immobilisme provoca la sequera, i la sequera porta a l’abstinència sexual. Una pel·lícula simpàtica entre el costumisme i la guerra de sexes que funciona en la mesura que ho fan els seus gags, sense gaires pretensions.

L’hermetisme social és més clar en dues pel·lícules molt diferents entre si però amb la confrontació ètnica present: The Burrowers i Fighter. La primera, de JT Petty, suposa una altra mostra de western de la secció (juntament amb The Good, the Bad, the Weird), i el seu treball del gènere consisteix en la hibridació amb el terror. Partint d’un plantejament que recorda a Centauros del desierto, de John Ford, The Burrowers explica com en el western contemporani els antagonistes ja no són els apatxes, sinó criatures inhumanes que sorgeixen de sota terra. Una lectura que alguns dels personatges no comparteixen, convençuts de la culpabilitat dels indis, sense voler fugir d’un hermetisme que els impedeix conèixer realment l’altre.  

En unes altres coordenades geogràfiques i genèriques, Fighter, de la danesa Natasha Arthy, mescla el relat social de la immigració a Copenhaguen amb el cinema d’arts marcials. Ho fa a partir d’una jove turca obsessionada amb el kung-fu que lluita pels seus somnis marcials i amorosos oposant-se a la família; les seqüències de lluita, pràcticament musicals, descriuen els seus conflictes d’una forma molt original i magnètica, especialment en els combats finals. Per altra banda, els fragments purament narratius fan olor a pel·lícula social políticament correcta i el resultat final se’n ressent. A Fighter una tercera cultura, l’oriental, exerceix de mitjancera entre la danesa i la turca, i una forma d’expressió particular, les arts marcials, serveix per a superar l’hermetisme cultural que impedeix conèixer l’altre.

El tancament es pot superar, també, en condicions pròpies del cinema fantàstic. És el cas de Blindness, adaptació de Fernando Meirelles de la novel·la de José Saramago, Premi del Públic en el festival. Amb una posada en escena cremada i encegadora, contagiada de l’epidèmia que li dóna títol, aquesta pel·lícula explica com la ceguera pot trencar tabús i superar la incomunicació. Les societats contemporànies necessiten, doncs, de la presència del fantàstic per a superar determinats conflictes, com ocorre a Interior Design, el capítol de Tokyo! dirigit per Michel Gondry, en què una jove insegura que no troba el seu lloc a la capital japonesa decideix convertir-se en una cadira. El relat de Gondry no té gaire més interès que aquesta conclusió, tot i que la transformació apunta idees interessants sobre la incomunicació i la identitat en les societats contemporànies. Unes idees presents al segon capítol (Merde, de Léos Carax) en la forma d’un estrany individu que altera l’ordre públic de la capital japonesa i és jutjat; la seva condició d’home excrement estranger i les dificultats de comunicació ofereixen un relat singular però avorrit, sense un rumb concret ni cap aposta clara. Una gran decepció que només té interès si ho contemplem com una visió grotesca de la condició de l’estranger. 

Per altra banda, Tokyo Shaking, el fragment dirigit pel coreà Bong Joon-ho, és el millor dels tres i insisteix en la idea de l’aïllament dels individus, reunint en un relat dos elements característics de la vida japonesa (els hikikomoris i els terratrèmols) per a explicar una història de soledat que a poc a poc deriva en el surrealisme d’una ciutat on tothom està incomunicat. La descripció de l’apartament del protagonista és magistral, la relació entre els personatges funciona i l’ús dels terratrèmols com a metàfora dels sacseigs emocionals de les persones és encertada. Una peça que fa ombra a les altres dues parts d’aquest tríptic, i que dibuixa perfectament la por a conèixer l’altre.

La infància perillosa: La possibilité d’une île, Vinyan, Hansel and Gretel, Martyrs, Eden Lake, Red

Vinyan

Entrem ara de ple en la qüestió essencial: el coneixement dels nens. En la Secció Oficial Fantàstic a Competició d’aquest any, conèixer l’altre significa enfrontar-se a infants o adolescents, personatges habituals en el cinema fantàstic que van poblar amb la seva crueltat vestida d’innocència (o viceversa) moltes pel·lícules, incloent les autèntiques joies de la secció. Potser per això un dels films més fallits fou precisament l’adaptació del propi Michel Houellebecq del seu relat La possibilité d’une île, una història en què uns científics cerquen la manera de crear éssers humans directament, sense passar per la infància. El nou home, per tant, es trobarà orfe d’aquesta etapa vital imprescindible per al gènere fantàstic contemporani.

Acostar-se a la infància suposa moltes vegades acostar-se cap al desconegut, i el belga Fabrice Du Welz ho capta a la perfecció en la seva obra Vinyan, una de les peces clau del festival. Vinyan explica el trajecte d’un matrimoni europeu a la recerca del seu fill, desaparegut en el tsunami; es tracta d’un viatge que parteix de la situació de dos occidentals al sud-est asiàtic, desconfiant d’autòctons que ofereixen un ajut interessat, i a poc a poc s’enfonsa en el surrealisme i la irracionalitat del trajecte cap al desconegut, endinsant-se a la selva i al terreny del fantàstic. La recerca del fill tindrà desiguals resultats per al pare i la mare, però en ambdós casos la màgia primitiva acabarà imposant-se. Vinyan recorda a Apocalypse Now pel llaç que fa entre realisme, viatge, al·lucinació i degradació, i el controvertit final, que pot semblar excessiu, és malgrat això molt poderós.

Vinyan és la història d’un matrimoni que entra en el surrealisme per mitjà d’uns nens diabòlics, i ocorre exactament el mateix a la coreana Hansel and Gretel, de Yim Phil-Sung. Aquest film explica com es pot passar de la familiaritat més kitsch a un relat diabòlic en què tres nens regeixen una casa d’on no es pot sortir. El clima d’estranyesa que provoquen els amfitrions està molt ben reflectit i el treball autoreferencial del tram final és interessant, però la pel·lícula es ressent d’alguns efectismes i d’una durada excessiva, especialment en la justificació per mitjà d’un trauma passat.

Un trauma que també es troba a Martyrs, la pel·lícula més polèmica de Sitges, alimentada per la premsa i una ambulància a les portes del cinema, tot i que hi ha veus que discrepen del seu poderós impacte. Per a l’autor d’aquesta crònica fou una experiència de xoc recomanable, tot i que la seva moral és molt dubtosa i el director, Pascal Laugier, manipula l’espectador d’una forma totalment perversa, com s’evidencia en el forçat desenllaç per altra banda, la reflexió al voltant de la mirada i la fotografia és molt interessant, tot i que a vegades sembli que les imatges de la pel·lícula contradiguin el seu suposat missatge. Més enllà d’aquestes apreciacions, Martyrs és també una pel·lícula que contraposa família i fantasmes, amb nens diabòlics marcats per un trauma passat que es rebel·len en una explosió de violència.

Ara bé, una panoràmica sobre les pel·lícules de la secció ens mostra que a vegades no és tan perillós el trauma com l’educació. A partir d’aquí ens podríem referir novament a Crows Zero, en què el fill d’un yakuza entra en les lluites juvenils per a fer-se amb el poder. És obvi, i moltes pel·lícules ja ho han demostrat abans, que els fills imiten els pares i que la transmissió de valors entre generacions és un procés essencial i inevitable. Dues obres de la Secció Oficial Fantàstic a Competició van desenvolupar aquest tema des d’òptiques semblants. La primera fou la britànica Eden Lake, de James Watkins, Premi Especial del Jurat. Plantejat com el malson de (novament) un matrimoni atemorit per uns adolescents, el film és cru i la seva conclusió final poc esperançadora: la violència es transmet de generació en generació sense res que ho pugui evitar. Malgrat tot, el desenvolupament d’Eden Lake no és satisfactori i els personatges no estan suficientment dibuixats, problema que no trobem a l’estadounidenca Red, de Trygve Allister Diesen i Lucky McKee, que també parla de com la violència s’hereta per via de l’educació. La diferència és que en el cas de Red l’acció es rebaixa en favor del lirisme i de l’excel·lent treball dels personatges, sempre ambigus tot i la claredat de les seves motivacions. La història d’un jubilat que estima el seu gos i uns adolescents que li maten l’animal es converteix en una espiral de violència tràgica que, tot i que es descontrola una mica en el tram final, ofereix retrats molt valuosos i la mateixa visió pessimista sobre la transmissió de valors entre generacions.

Nens per sempre: Let the Right One In, The Sky Crawlers i City of Ember

Let the right one in

Per a tancar aquesta panoràmica sobre la Secció Oficial Fantàstic a Competició recuperem Hansel and Gretel i, tot avisant que en desvetllarem una de les claus argumentals, fixem-nos en la condició dels nens protagonistes: el trauma passat els ha portat a un reducte fantàstic en què el temps no passa i són infants eternament. Créixer sempre és difícil i la fantasia ajuda a superar aquest tràngol amb Peter Pans que es neguen a assumir el pas del temps.

Aquest tema és el que es troba en les que, juntament amb Vinyan, foren les millors apostes de la secció: la sueca Let the Right One In, de Thomas Alfredson, i The Sky Crawlers, del japonès Mamoru Oshii, l’única pel·lícula d’animació inclosa en aquesta secció. La primera és una delicada història d’amor preadolescent entre dos veïns en la Suècia dels anys 80, història interferida per la condició de vampiressa d’ella, i per tant pel relat fantàstic i de terror. La gran virtut de Let the Right One In és que sap integrar un argument propi del terror en una posada en escena sòbria i continguda, tot demostrant que el gènere propi de Sitges es pot adaptar a un cinema de mirades i silencis. Alfredson voreja el sentimentalisme i l’excés monstruós, però no cau mai en cap dels dos, exceptuant algun subratllat innecessari en els atacs d’aquesta versió de la dona pantera. La vampiressa és una eterna preadolescent, situada per sempre en el descobriment romàntic, i el relat d’amor té un regust amarg d’història cíclica només superat pel de la magistral The Sky Crawlers.

Kildren són els nens immortals que Mamoru Oshii presenta en la seva pel·lícula, situada en una base de pilots d’aviació aïllats del món i del temps on les històries d’amor es van repetint cíclicament, i d’on ningú vol marxar per por a créixer. Oshii dosifica els combats aeris i concedeix més importància als diàlegs, les mirades i els silencis, que se succeeixen en un espai que, amenaçat per un enemic abstracte, es torna cada vegada més irreal. La seva gran virtut és la construcció dels temps morts en animació, parant atenció als petits detalls, per a edificar un film reposat sobre l’heroi tràgic amb una poètica i un lirisme dignes de John Ford.

Un dels espots del festival suggeria que els fans de Sitges són en realitat monstres o alienígenes que es fan passar per persones normals i corrents. Doncs bé, després de veure aquests darrers títols de la Secció Oficial Fantàstic a Competició, podem trobar una altra idea: els espectadors del cinema fantàstic som nens eterns, infants que busquem retrobar-nos amb les pors primordials de quan érem petits, especialment la trobada amb el desconegut, ja sigui un serial killer o un regne de fantasia. Ara bé, això no vol dir veure City of Ember, la pel·lícula de clausura, un film per a tota la família amb adolescents aventurers que assumeixen riscos impossibles. Aquesta pel·lícula, encarada a la fruïció d’infants poc exigents, va decebre com a tancament d’un festival que vol ser transgressor i freak. Tornar a ser nens no vol dir enfrontar-se a pel·lícules infantils, sinó desenterrar velles emocions que els anys han anat ocultant. El contacte amb la fantasia o el terror, que és la principal voluntat del Festival de Sitges, ha de ser una eina per a tornar a estimular la inseguretat, la confusió i, sobretot, la descoberta.

Albert Elduque

SEMINCI 2007- SEMANA INTERNACIONAL DE CINE DE VALLADOLID 2007

Como siempre ocurre con los festivales, donde hay tanta oferta y donde dependes en gran medida de las posibilidades de una acreditación, la selección de películas comentadas no pretende ser una lista de lo mejor o lo más importante del festival, sino simplemente el reflejo de una experiencia particular en unas circunstancias concretas, y la validez de lo escrito no depende tanto del festival como de la confianza que tengáis en la pluma que escribe.

Dentro de la Sección “Spanish Cinema”, llama la atención que la película de debut de un joven director español sea una co-producción internacional, y que cuente con actores de la talla de Gary Oldman, una de las jóvenes actrices más populares en Francia, la bellísima y experimentada Virginie Ledoyen, o los españoles y reconocidísimos Aitana Sánchez-Gijón y Lluis Homar, entre otros. Lo que tenemos es un curioso Thriller rodado en los bosques del norte de España, en la que unos turistas extranjeros se tienen que enfrentar a los misterios de la España profunda. El resultado es algo desigual, tiene una buena factura y se nota el intento de hacer un Thriller a la antigua usanza, dando más peso a la ambientación y al trabajo de actores que a los ya repetitivos truquitos del cine de terror actual, como subir la música de golpe a todo volumen para asustarte. El problema es que la historia no engancha, no crea toda la tensión que pretende y los personajes carecen de poder de identificación. Así que un puñado de buenas ideas se queda en eso, ideas y poco más. También llama la intención el final del film, un descarado homenaje al western. Se nota que al director le gusta el cine, y que no es uno de esos posmodernos que van de listos, pero aún le falta mucho para llegar a sus referentes.

RESUM DE LA XII MOSTRA DE CINEMA AFRICÀ DE BARCELONA CELEBRADA DEL 8 al 14 de NOVEMBRE A CINEMES CASABLANCA GRÀCIA per JOAN IZQUIERDO & FRIENDS

Emitaï (Ousmane Sembene)

 Sinopsis

Año 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, en un pueblo de Casamance una parte de sus hombres ha sido enviada al frente franco-alemán para salvar a Francia. La armada colonial quiere requisar la cosecha de arroz del pueblo para enviarlo a las tropas. Las mujeres, responsables de las cosechas, deciden esconder el arroz mientras los ancianos consultan a los dioses.

Sorprendente documento que nos lega la mítica persona de Sembene. El film combina a la perfección la docuficción con el argumento de la cruda realidad plasmada en una historia que bien pudo ocurrir en cualquier rincon de Africa Occidental. Lo que más llama la atención de Emitaï es la construcción de su historia, muy influenciada por esteticas neorrealistas, no solo en su temática, sinó a la vez, en la representación de escenas cotidianas y en un desenlace amargo.

La historia en sí misma podria ser la de Alemania año cero, de Rosselini. El holocausto de los nazis, tan retratado en un sinfin de obras europeas, aquí nos muestra como africanos son esclavos para la guerra al servicio de Francia como si de simple mercancia bélica se tratase. No se ha hablado ni se ha difundido casi nada estos deleznables hechos, sin embargo no se alejan demasiado de la propia realidad africana de hace cuatrocientos años, cuando eran africanos quienes se adentraban en zonas septentrionales a la caza de otros como ellos para que blancos comerciaran con ellos en ciudades como Dakar. Justamente algo similar nos muestra esta película, que su director, Osmane Sembene, quiere dedicar a todos los que han muerto por la “causa africana”.

Lettre paissane (Kaddu beirat)

Sinopsis

Ngor regresa de Dakar donde se fue a buscar trabajo y solo encontró el desprecio de los ciudadanos. Ngor quiere casarse con Coumba pero la mala cosecha acentúa la pobreza. Las lluvias son irregulares para que la cosecha del cacahuete, el único producto comercializable, procure suficiente beneficio. La película es un testimonio del empobrecimiento de los agricultores del país Serere, de donde procede la realizadora. Safi Faye pidió a los campesinos que reinterpretaran escenas de su vida cotidiana. Una manera de cuestionar el monocultivo del cacahuete heredado de los colonizadores franceses e inadaptado a la evolución rural.

Este film, considerado el primer film realizado por una mujer africana presenta una estética documental, característica encontrada bastantes producciones de esta directora. Lo que llama más la atención es la contraposición de las escenas rurales frente a la vida en la ciudad. No deja de ser un ensayo que reflexiona sobre los cambios en una generación, coetania al film, que busca una vida mejor en Dakar. La directora retrata bien esta situación y nos advierte que los africanos siempre han sido emigrantes, nomadas, o desplazados, que este fenómeno no es de hoy en día. Pero nos advierte que lo preocupante no es el fenómeno en sí, como nos comentó en la presentación, sinó que hoy mueren en cayucos.

Mossane (Safi Faye)

Sinopsis

Mossane significa en lengua Serere “la belleza”. Inspirada en una leyenda tradicional en que el espíritu de una bella mujer regresa para desestabilizar las apariencias de su comunidad. La heroina tiene 14 años, su belleza atrae los deseos de los hombres de Mbissel. Desde su nacimiento Mossane esta prometida con Diogoye, que trabaja en Paris. Las postales y el dinero que este envía a los padres de Mossane le aseguran su apoyo. Pero a la chica le gusta un joven estudiante pobre. Este vuelve al pueblo durante las huelgas que bloquean la universidad de la capital y esta proximidad reaviva el amor de los dos jóvenes

Una de las características de Faye es que siempre trata de hacernos mirar bajo su perspectiva. Y este film, que relata el drama ante un problema de corte social, en aquella sociedad rural del interior de Africa, nos situa en la dificultad de la mujer para luchar por cuestiones tan básicas como el derecho a decidir su destino. La historia de Mossane nos es narrada a través de un cuento, que discurre paralelo. El desafio de esta ante lo que rige en la idiosincracia de un pueblo, toma protagonismo. El final es algo que ya esperabamos y enfatiza más la idea de la directora: la muerte del individuo, de sus propias ideas frente a la “ley de la familia”.

Selbe y otras muchas

Sinopsis

El marido de Selbé marchó a la ciudad para ganar dinero. Ella se queda al cargo de una gran familia y del trabajo en el campo. A sus compañeras les pasa lo mismo, su cargas son idénticas. Deben ocuparse de las labores domésticas y del trabajo agrícola. Esta confrontación hace que surjan posibles soluciones. Hablan de sus derechos, sus obligaciones, sus relaciones con el hombre que aman o critican.

Este cortometraje, reafirma la necesidad de la realizadora de mostrar lo duro que significa los terminos mujer y Africa, sobretodo si van unidos. La historia no deja indiferente e incluso provoca opiniones controvertidas; en cualquier caso se nota la mano de esta realizadora, etnologa aunque cineasta por encima de todo, según su propia autodefinición.

Bamako (Abderramane Sissako)

Sinopsis

Melé es una  cantante que trabaja en un bar. Su marido, Chaka, no tiene trabajo y la pareja está al borde de la ruptura… En el patio de la casa, asisten junto a otras familias a un tribunal que acaba de organizarse. Representantes civiles de la sociedad africana han levantado un procedimiento contra la responsabilidad del Banco Mundial y el FMI con respecto a la pobreza y la situación de Africa.  En el patio, la vida continúa entre los testimonios y las réplicas del tribunal.  Mientras que Chaka no se siente involucrado en este deseo de África de luchar por sus derechos.

Pelicula documento que analiza las bases del nuevo colonialismo sobre Africa. Critica mordaz hacia las políticas de desahucio y exclusión del Banco Mundial. La historia trascurre en un barrio de Bamako donde se celebra un juicio sumarisimo en el que participan diferentes personas. Durante el transcurso de este episodio se van desarrollando paralelamente las historias de algunas de estas personas.

Visualmente es una película muy bien realizada, haciendo que te internes en el corazón del Mali. Lo más destacable son los diálogos. Es una película que consigue un efecto atrapador mediante las intervenciones de los diferentes personajes.

Making Of (Nouri Bouzid)

Sinopsis

El escenario principal de la película es un rodaje y narra el drama entre varios personajes. El realizador, con una vida personal a la deriva y una película a la que teme. El actor, que en un principio aceptó no conocer el destino del personaje que debia interpretar peró que se siente manipulado al descubrir la evolución de su personaje, de joven breaker de barrio popular hasta su conversión al integrismo.

El director nos deja atónitos cuando a mitad del film nos desvela que en realidad la película es la historia de un rodaje donde se cuestiona los valores y la capacidad de autocritica de la sociedad de religion musulmana, donde politica y religión caminan de la misma mano. Utiliza con gran acierto ciertos elementos ironicos y nos hace llegar el mensaje que el mismo director quiere transmitir al afirmarnos que para esta sociedad es practicamente inviable romper con tales tabues. Ciertamente, hacer una pelicula donde se critica y cuestiona abiertamente  con que sencillez llega una persona a convertirse en un hombre bomba, es la cuestion por la que el actor se enfrenta al realizador. Los dialogos que mantienen ambos son con diferencia lo más interesante. Dentro de la historia que sucede en el rodaje, encontramos algo dejà vu en películas como Paradise Now, donde también se retratan los conflictos internos que sufren los jovenes y su lucha interna por la autoidentificación. El giro que da el director a esta temática es con mucho lo más interesante, lo que convierte a este film en algo fresco y muy creativo. Hemos podido crearnos, por nosotros mismos, una corriente de opinión a traves de este film y esto es de elogiar.

Khinshasha Palace Sinopsis Un hombre de quien se sabe poco, busca a su hermano que desapareció de golpe después de dejar a sus hijos en una estación. Durante su investigación, reanuda la relación con su familia de la que se habia alejado y esto hace que resurjan fragmentos de su infancia. Poco a poco el hombre se va metamorfoseando hasta confundirse con su hermano ausente.Montaje del realizador, si cabe original, creado a partir de un pseudo docuficción donde repasa pasajes de la historia de su familia. Lo más sorprendente de este film reside en la historia que nos cuenta a través de unos personajes muy particulares y variopintos. También no deja de ser un repaso a medio siglo de historia del Congo, antes Zaire, que discurre a traves de la familia Laplaine.

Barakat!

Sinopsis

En una Algeria aún victima del fanatismo integrista dos mujeres de diferente edad salen en búsqueda del marido de la más joven, un periodista que ha sido secuestrado a causa de la valentía de sus artículos. El camino lleno de peligros y descubrimientos permitirá a las amigas conocerse mejor y aceptar sus diferencias generacionales.

Este thriller, estética negra, nos muestra lo inhóspito de las relaciones humanas en tiempos duros, donde la política y lo personal se muestran indivisibles. Al final el mensaje nos llega: no te puedes fiar ni del vecino. Resulta interesante como muestra el papel de la mujer en su conflicto por ser y una sociedad que no le reconoce. La historia está bien trenzada y como en todo buen thriller necesitamos que pasen “cosas”, y pasan. Aunque a veces resulta más interesante los “ratos muertos” donde descubres más de los personajes.

Kif Lokhrin (Mohammed Ben Attia)SinopsisEntre un trabajo ingrato y los viajes a la cafetería, K busca el modo de salir de su condición de solterón frustrado e introvertido. Su intención es conquistar a Chahra, la chica de sus sueños. Mediante unos particulares masajes chinos consigue moldear su personalidad a nivel de las exigencias variables y lunáticas de su entorno. ¿Y si ser cada vez mejores en cualidades personales y conseguir aquello que anhelamos fuera cuestión de simples masajes chinos con lociones naturales? El realizador de este corto ironiza de una manera muy simpática como somos capaces de hacer cualquier cosa cuando nos parece imposible conseguirlo por nosotros mismos. El tarot, amuletos, rituales personales, todo vale, si sigue el próposito del éxito pero, ¿no acabará despertando la propia neurosis que cada uno lleva dentro? Además de este cuestionamiento es interesante el desnudo retrato de cada uno de los personajes de este film, a veces más crudo que el del propio protagonista.

Menged (Daniel Taye Workou)

Sinopsis

En la campiña etíope todo puede ocurrir durante el largo camino hacia el mercado. Un padre y su hijo siguen los consejos que todo el mundo les brinda… para luego retomar  su propio sentido común.

Adaptación de un cuento tradicional etíope que tiene sus orígenes en el mundo árabe clásico.

 Sin duda alguna, esta historia es la más ávida de ironia y satira cruel de toda la mostra, que mejorando lo anteriormente visto, es con diferencia la obra más brillante de todas, por la naturalidad con que se plantea. Es una autocritica en toda regla a nuestra y aquella sociedad, e incluso individuos distintos que la conforman, que compite por ser poseedor de la razon y como solemos hacer caso y girar en torno a puntos que nada tienen que ver con nosotros. Es un ¡basta ya de juzgar mis actos con tu propio rasero! El sentido comun de los otros, lleva a situaciones tan surrealistas que por momentos crees estar ante una escena de Berlanga.

Je vous ai a l’oeil (Ibrahim Letaief)

 Sinopsis

Una cámara se instala en el ascensor de un edificio en Túnez. Los habitantes suben y bajan a cualquier hora del día. Poco a poco y a solas, Nadia, Nour y Naima, 3 chicas preciosas de 25 años empezarán a confiarse a la cámara. Esta aprovechará para entrar en su intimidad y poder aclarar un misterio ligado a un asunto de corrupción.

En este film es sabido que se esconde una critica hacia las actividades de la esposa del primer ministro tunecino. Un ascensor hace los honores descubre los secretos de diferentes mujeres con respecto a un turbio asunto de corrupción  financieros y politico-judiciales y mantiene al espectador ante la incertidumbre de saber que ocurre, quien es y donde se encuentra el cerebro de la operacion. Desvelar esos misterios es al final lo que sagazmente nos deja intrigados.

Joan Izquierdo

El Ejido. La Loi du profi

A través del día a día de un grupo de jóvenes marroquis que trabajan y malviven en chabolas a las afueras del pueblo, descubrimos la otra cara de la sociedad del bienestar, la cara más cruda de la explotación.
Muy recomendable. Lamujerdelcuadro

Un documental absolutament necessari que no deixa indiferent i que hauria de fer-nos pensar una mica sobre els interessos creats a llocs com El Ejido i en general sobre l'explotació humana a l'Europa del Benestar, la mateixa Europa que va donant exemples de bones formes a la resta del món. oSCar H.

L'arbre aux spirits

Este año la mostra incluía este film de animación de 40 min. de Cilia Sawadogo, realizadora ubicada Québec de madre alemana y pàadre de Burkina Faso. La historia es sencilla y emotiva tanto para niños (como los que había en la sala) como también para adultos con ganas de volver a sentirse niños durante un rato. Un mundo mágico y fantástico repleto de valores e inspirado en la iconografia africana tradiconal.

Òscar Herrera

1- Intro: Vuelta a los orígenes, quizás no tanto, pero lo suficiente. Otro año más en Sitges, otra vez la lluvia (que bien me hubiera ido el paraguas que regalaron hace un par de años, en una edición especialmente lluviosa) y otra vez la playa.Pero ante todo este festival ha sido de reafirmación, una vuelta a los orígenes, con limitaciones, por supuesto, el tamaño del festival, hoy por hoy de asistencia masiva, impide que vuelva el espíritu de un festival entrañable, más cercano al fenómeno fan que a la exquisitez cinematográfica. Es una vuelta a los orígenes, más que nada porque después de un par de años de titubeos, de cambios de fechas, de propuestas diversas, de abrirse a otros cines,... se ha vuelto a centrar en el cine fantástico y de terror. En diversos medios, al acabar cada festival de las anteriores ediciones, leía que la última había sido un gran éxito, quizás lo fuera en lo comercial, pero con todos estos cambios lo que se había conseguido era, a mi humilde opinión, olvidar la esencia del festival, y de alguna forma desconcertar a los aficionados de toda la vida, viendo la cartelera del festival invadida de títulos orientales, u otros que poco o nada tenían que ver con el genero, pero a los que se les suponía una calidad o un nombre autoral (o comercial, no nos engañemos) superior a la medía del festival. Pero hay que hacerse una pregunta: ¿El festival de cine ha triunfado y crecido gracias a la calidad y renombre de sus películas y estrellas? Personalmente creo que si Sitges ha crecido como lo ha hecho, ha sido en gran medida porque se ha sabido consolidar con un género concreto, siéndole fiel durante los años y “formando” a una importante serie de aficionados numerosos y apasionados, que han convertido el festival de Sitges en una fiesta que se repite año tras año. Es comprensible que el festival, siendo sensible a este crecimiento y al mayor peso internacional de un festival que en su origen era minoritario, quiera potenciar este crecimiento y darle algo de más “solera” con títulos de más renombre, así como es normal también que ante el aluvión de cine asiático y la falta de oferta en nuestro país, se le deje un importante hueco en la programación, no hay que olvidar que el cine asiático casa muy bien con el fenómeno fan, que como he dicho antes es la principal fuerza del festival. Pero todo esto estaba jugando en contra de la tradición fantástica, que se estaba viendo relegada a un segundo plano, y mi sensación era que algo no iba como debía, a pesar de la gran afluencia de público. Este año esas sensaciones han cambiado, es cierto que el encanto de un festival minoritario lo ha perdido para siempre jamás, ya hace mucho, pero ha recuperado ese regusto festivo de vísceras, deformaciones, zombies y fantasía. Quizás nunca lo perdió, pero ha vuelto a ser el protagonista absoluto, como debe ser en un festival como el de Sitges, que puede y debe crecer, pero que no debe olvidarse jamás de cual es su naturaleza y que espectadores le han llevado a ser lo que hoy es. Que la fiesta continúe.

2- Algunas películas. Hacer una selección de las películas de un festival es siempre difícil, por varias razones, 1) Es imposible verlas todas, y aunque la prioridad sea la sección oficial, es difícil no caer en la tentación de ir a otras secciones y descubrir alguna joyita, teniendo que renunciar a alguna oficial. 2) Si escribes de todas las películas que has visto puedes aburrir al lector más bienintencionado y 3) Me niego rotundamente a escribir sobre películas que no he visto, a pesar de que eso le daría mayor enjundia a mi artículo, me consta que en medios “profesionales” eso se hace con más frecuencia de la debida, y mientras pueda seguiré siendo fiel a mi filosofía. Por todo ello esta selección de películas comentadas quizás no sea la mejor, ni la peor, simplemente es un reflejo de mi experiencia en Sitges y de aquellas películas que creo que pueden ser interesantes para un lector, y espero que así sea para alguien.

EL ORFANATO

VII Festival Internacional Documental de Barcelona
3, 4, 5, 6 i 7 d' octubre de 2007. CCCB

Del 3 al 7 d’octubre s’ha celebrat al CCCB de Barcelona el 7è Festival Docúpolis. I com gairebé la majoria d’events que es duen a terme al CCCB, l’èxit, com a mínim de públic, ha estat significatiu, tant és així que en exhaurir-se les entrades per films com “Can Tunis” no vàrem poder tornar a disfrutar d’un documental que aquest cop no ha optingut cap premi ni cap menció però que esperem poder tornar a veure en alguna altra ocasión, tant de bo sigui així ja que el documental bé s’ho mereix.  Hem pogut veure però, altres documentals de gran interés tant pel seu contingut com pel seu bon nivell creatiu, com el guanyador “Welcome Europe”, que en ens apropa a la realitat d’uns joves immigrants que buscant el somni europeu acaben trobant un veritable malson, on la supervivencia passa per haver de fer coses inimaginades anteriorment per ells. Bon documental, bon muntatge tant d’imatge com de música i no ens estranyaria que es pogués arribar a veure en cinemes donat l’actualitat del tema i el un tractament que ens ha pogut recordar ni que sigui de lluny un espècie de "segona part" d'aquell “In This World” de Michael Winterbottom. També hem pogut disfrutar d’una altre documental que per mi era especial ja que no tots els dies pots veure en pantalla gran al que fou el teu professor dels últims cursos de primària, ara fa ja 20 anys, fent el que sempre ha fet, intentar vetllar per un ensenyament públic de qüalitat, ensenyar de la forma més amena possible continguts i valors. Es tracta d’ “Estira i arronsa”, un benintencionat documental, que si bé creativament no és una gran aportació si ho és com a testimoni d’uns professionals que es diexen la pell dia a dia en un IES públic d’un barri no precíssament privilegiat. Altre documental que ens agradaria mencionar és el de Camila Guzmán, filla del cèlebre documentalista també present al festival Patricio Guzmán en la realització d’un seminari, “El telón de azúcar”, que malgrat havent-lo vist recentement a la 2 de TVE ens ha tornat a trasportar a la Cuba actual i a la Cuba de fa un parell de dècades, la Cuba sommiada que esdevé més real que mai els anys setenta i vuitanta i que desprès del període especial es convertieix quasi en una burla d’ella mateixa. Finalment destacar, com no, “¿Qué tienes debajo del sombrero?” de Lola Barrera i Iñaki Peñafiel, amb l’ajut a la producció de Julio Medem, un sensible film sobre una sèrie de personatges, i en especial de Judith Scott, una dona amb síndrome de Down i sordesa des del seu naixement però dotada amb unes curioses habilitats artístiques i creatives. La relació amb la seva germana bessona, Joyce ens ha emocionat molt intensament i ha estat un dels moments més brillants del festival. I malgrat ens hagués agradat ser-hi presents en un major nombre de projeccions, el temps i els festivals que es solapen ens han impedit poder arribar a més, això és el que el festival ha donat de si per nosaltres, un tastet del qual ens quedem amb un bon regust  i el qual esperem tornar a repetir en altres ocasions.                                                                                                                      Òscar Herrera

Introducción:

Este ha sido un festival accidentado, no porque sucediera nada especialmente negativo durante el mismo, a parte de la tradicional lluvia Donostiarra, que a pesar de ser algo molesta y de provocar resfriados masivos, le da un toque melancólico a la ciudad que aumenta su belleza y su extraño magnetismo. Lo accidentado fue nuestra presencia, que por imprevistos no controlados finalmente se quedó en poco más que un paseo cinematográfico, y lo que se pretendía que fuera un seguimiento diario del festival fue en realidad el intento de aprovechar al máximo los tres días que al final tuvimos, lo que no fue facil, viajamos en tren nocturno y poco después de llegar ya nos estábamos paseando por el Kursaal, con algo de cansancio y sin entradas para ese mismo día, dependiendo de las invitaciones de taquilla, lo que no dejaba de ser un límite a nuestra voracidad, a lo que si sumamos el bajo nivel generalizado de las películas que vimos, se puede comprender el descontento y la desilusión que nos fue provocando el festival, quedándonos en cualquier caso la posibilidad de disfrutar de una ciudad como Donosti, lo que estaba bien, pero no habíamos realizado el viaje para eso.

Con esta introducción quiero dejar claro que nuestra visión del festival es muy subjetiva y limitada, tanto por los días que estuvimos, como por las “pocas” películas que pudimos ver, así que lo que aquí tenéis más que un reflejo válido de este festival, es el reflejo de una experiencia personal, muy influenciada por unas circunstancias particulares, pero que justamente por ello esta visión puede ser más cercana a la de los espectadores medios que a los de la prensa especializada, lo que por una vez puede ser interesante, sobretodo en contraste con lo publicado en otros medios.

A partir de aquí hacemos un listado de las películas vistas, con su respectivo análisis:

1- FREE RAINER – DEIN FERNSEHER LÜGT / RECLAIM YOUR BRAIN

Película alemana del director de “Edukators”, que pretende ser una crítica al mundo de la televisión, embadurnando el argumento con un supuesto espíritu revolucionario. ¿Pero dónde queda la revolución? Pues en  poco más que nada, ya que nos encontramos con un videoclip demasiado largo (no se acaba nunca), lleno de acción, música y humor socarrón, toda topicazos y lugares comunes, y que no lleva a ningún sitio. Si no tuviera pretensiones podríamos considerarla una comedia gamberra e hiperbólica, muy en la honda de las que copiaban a “Trainspotting” años atrás, pero esas pretensiones, tan acertadas ellas, hacen que la película resulte ser un insulto al mensaje que pretende dar, ya que quiere dar a entender que a la gente le puede gustar “la cultura”, y lo único que te queda claro es que somos todos una panda de borregos, y que nos tragamos basura o cultura según esté de moda. Pues nada, otro film, perfectamente olvidable y que solo hará las delicias de adolescentes que se crean muy rebeldes con su ropa de marca y su móvil último modelo. ¿Para esto hacía falta reclamar nuestro cerebro?

2- LA VIDA INTERIOR DE MARTIN FROST (THE INNER LIFE OF MARTIN FROST)

Nueva película del famoso escritor Paul Auster, y una de las más esperadas del festival, sobre un escritor que conoce a una mujer misteriosa que le inspira una nueva obra y ... aquí me paro. Una historia de escritores y musas, con un tono poético algo empalagoso y repetitivo, y con un sentido del humor agradable pero no muy bien conseguido. Esta es una película que se ve con agrado y que entretiene, pero que no se puede considerar una obra importante, debido a su mediocridad y a su poso excesivamente literario que lastra el desarrollo dramático con una interminable voz en off. En realidad es muy coherente con la obra literaria del escritor (en cualquier caso con lo que yo he leído), pero lo que funciona en literatura no tiene porque funcionar en cine, y la magia del Paul Auster novelista se deshace como un terrón de azucar en un vaso de agua. Se deja ver, pero poco más.

3- PLOY

 Película Tailandesa a la que se le supone bastante contenido erótico, según publicita el propio festival, y que la verdad decepciona bastante, ni es para tanto, ni resulta ser una gran película. El argumento esta trilladísimo, una pareja aburrida por tantos años de vida en común y que se encuentran con una tercera persona, que sin quererlo abre las grietas que separan al matrimonio, para acabar uniéndolo aún más, no es precisamente el argumento más innovador y fresco de la historia, pero su universalidad en el espacio y en el tiempo juega a su favor, es una historia que siempre se repetirá y siempre habrán  películas que traten este tema. Ploy no aporta nada especial, es lenta y aburrida, algo forzada en algunos momentos, sobretodo en lo que rodea el personaje de la esposa, que le quita credibilidad y empatía a la historia, que nunca emociona, ni convence, y que lo único que provoca es un largo y sonoro bostezo.

4- DIE ANRUFERIN

Con esta película alemana nos estrenamos en el festival, y no fue precisamente un inicio muy prometedor. Una chica se dedica a imitar voces de niña por teléfono, intimando (y engañando) a desconocidos, matando posteriormente a esa “niña”, una de las personas engañadas entrará en su vida al sufrir una terrible desgracia y poco a poco descubriremos porque hace lo que hace. Una historia de soledades, mentiras e incomunicación... todo muy loable, de no ser porque la película no tiene apenas interés, el argumento apenas es creíble y cinematográficamente no aporta absolutamente nada. Es una pena, porque con otro guión y con una dirección mejor se podía haber hecho algo decente, y no esta película tan olvidable.

 5- LES FOURMIS ROUGES (LAS HORMIGAS ROJAS)

Dramón frances en el que a una chica le ocurre todo lo malo malísimo que le puede ocurrir y al final todo se arregla de golpe. Forzada y exagerada, cuenta con actores que intentan salvar el resultado final, pero que se dejan llevar por el excesivo dramatismo de la película, de un aparente pesimismo que roza la autoparodia (a esta chica le pasa de todo) y que ha medida que avanza va empeorando peligrosamente. Poco más puede decirse de una película que poco más tiene. Una lástima, apuntaba, pero la polvora estaba mojada.

6-  TNUAH MEGUNA / FOUL GESTURE

Resumen: Thriller israelí. En estas dos palabras tenemos el quid de la cuestión. Por un lado tenemos el típico thriller en el que un pobre desgraciado se enfrenta a un mafioso malísimo y el pobre hombre se crece hasta vencer al susodicho (versión moderna y cinematografica de David contra Goliat, utilizada en tantas y tan malas películas), en este sentido no es más que una película más, dirigida con cierta profesionalidad, insipida y con un aceptable sentido del ritmo, pero poco más. Es en su condición de israelí donde nos encontramos sus puntos más fuertes, ya que la película refleja la sociedad israelí contemporánea, cuya existencia gira alrededor de la religión, la mitificación y la paranoia, es en este retrato de costumbres donde tenemos lo más destacable del film, que por lo demás se deja ver, es entretenido, pero que jamás pasará a la historia de la humanidad.

 7- KUNSTEN AT GRAEDE I KOR / THE ART OF CRYING (EL ARTE DE LLORAR)

Película Danesa estrenada el año pasado en este mismo festival, que nada tiene que ver con el movimiento dogma, cuenta la terrible historia de una familia donde  se dan asesinatos, intentos de suicidio y abusos de menores, visto desde los ojos de un niño, la inocencia ante lo terrible le da un extraño sabor a comedia negra, recuerda a “Leolo”, pero es más realista y más tremenda. El visionado de la película plantea un dilema ético al espectador: ¿Es licito reirse ante tan terribles desgracias? Seguro que esta película ha incomodado y ha herido sensibilidades, pero lo cierto es que es muy interesante, esta muy bien construida, el desarrollo dramático se sigue con mucho interés, y los personajes, a pesar de ser muy exagerados, son convincentes. Tiene un tono gélido (hay muchos planos sin movimiento de cámara que lo apoyan, y la dirección de actores en ocasiones es minimalista, pero adecuada) que contrasta con lo que estamos viendo objetivamente, y es una de las pocas películas que te hacen sentir algo, sea positivo o negativo, en el festival. Quizás esta película roce el limite de lo admisible (ético), yo no lo creo, ya que a pesar del tono pseudo-cómico siempre se pone a favor de la victima y la película destila un extraño humanismo, pero sin duda alguna es una propuesta que merece ser vista y discutida. A descubrir.

8- MIES VAILLA MENNEISYYTTÄ / THE MAN WITHOUT A PAST (UN HOMBRE SIN PASADO)

 Nunca es buena señal cuando la mejor película, la que te ha hecho disfrutar más, forma parte de una retrospectiva, pero lamentablemente este es el caso, paradójicamente en la sala más vacía de todas las sesiones a las que fuimos, eso sí, os puedo asegurar que quienes la vieron disfrutaron mucho, las carcajadas eran habituales y se respiraba una sensación muy buena. Es cierto que es una película que conozco muy bien, pero no estaba solo y las buenas vibraciones se confirmaron en mi acompañante. Es curioso que el cine de Aki Kaurismaki, tan sencillo y a priori tan poco espectacular, gana tantos enteros en pantalla grande, son películas para ver así y para compartir la experiencia, en pantalla grande ganan calidez y complicidad. Quien diga que no se puede hacer cine bueno y barato, de calidad pero entretenido, es que no ha visto esta película, y si no la has visto no tardes en verla, esta en dvd y merece la pena, es una pequeña gran gran película. Aplausos al maestro.

 9- DEN BRYSOMME MANNEN / THE BOTHERSOME MAN

 Presentada en el ciclo "Fiebre helada", esta película de Jens Lien (2006) nos presenta muy claramente los rasgos generales de la cultura noruega actual sin caídas en dramatismos banales o en la búsqueda forzosa de un realismo ya visto demasiadas veces. Gracias a un tono surrealista y a un uso distanciado de las herramientas cinematográficas, el director consigue que empaticemos con Andreas, el protagonista. Nos reímos con él y con él reflexionamos acerca del porque de muchas cosas: ¿de dónde venimos?, ¿que hacemos aquí?, ¿porque vivimos encerrados en estas grises ciudades?, ¿existe el amor?, ¿como se puede acabar con todo esto?

Los grandes planos generales a lo Tati, en los que los seres humanos parecen hormiguitas perdidas y sin ningún poder, o la interpretación y los diálogos "helados" a la Kaurismaki, las fronteras que siguieren, sin mostrar, la existencias de otros mundos paralelos como hizo Buñel y otros mas, nos demuestran que Jens Lien ha sabido aprender de los grandes cineastas sin copiarles. Las influencias son evidentes pero muy bien aprovechadas.

Jens Lien tiene otras 10 obras desde el 1992; Montana (1992), Mitt elektriske kjøkken (1995),

Naken greve (1998), Hver søndag hos mor (2000),Døren som ikke smakk (2000) Shut the Door (International: English title),  Spenn (2001) (TV) Cash (International: English title), Naturlige briller (2001) Natural Glasses (International: English title),Jonny Vang (2003), Bok kokken (2004).

10- KUNSTEN Ä TENKE NEGATIVT / THE ART OF NEGATIVE THINKING

 Película Noruega con cierta relación con el movimiento Dogma, ya que tiene una estética cercana, aunque más pulida. Es una comedia gamberra sobre un paralítico depresivo al que su novia apunta a un grupo de “pensamiento positivo”, en vez de alegrarle es él el que los deprime y les hace sacar todas sus frustraciones a la fuerza. Es una película sin pretensiones que se agradece en la vorágine de un festival con su humor gamberro y su mala leche, pero no es más que una de esas películas que con verlas una vez ya es suficiente, ya que realmente no es gran cosa, pero divierte y eso no deja de estar mal.

11- TI KNIVER I HJERTET / CROSS MY HEART AND HOPE TO DIE

Película iniciática Noruega, sobre un adolescente que se queda en el pueblo de vacaciones, y le sucenden algunas cosas bastante importantes que le hacen madurar. Este es quizás el handicap de la película, es una historia demasiado conocida y en ella no hay ninguna sorpresa, por eso me sorprende que haya triunfado en tantos festivales, pero es entretenida y logra mantener el interés, pero sales con la sensación de que has visto una más, como hay mil, bien construida, bien planificada, bien interpretada, etc., todo correcto en una película correcta.

12- LA CICATRICE INTÉRIEURE (LA CICATRIZ INTERIOR)

Ningún otro titulo podría ser mas apto para este ciclo del Festival de Donosti, que nos presenta 18 obras del cineasta contemporáneo francés: Ciclo “conocer a Philippe Garrell”, un autor hasta ahora inedito en las salas comerciales españolas y dificil de absorber por su lenguaje abierto y experimental, por su poesía visual.

La cicatrice Interieure (1970) por ejemplo: una película con clara referencia a la psicodélica de los años 70; una no-narración, un empuje a la reflexión cargada de fuerte simbología.

Largos planos secuencias en un paisaje desierto y lejano en el que una mujer (Nico, cantante y pareja de Garrell), dos hombres (el mismo Garrell y luego Pierre Clementi) y un niño (el pequeño Ari), se encuentran y se separan, se dirigen hacia destinaciones desconocidas, andando o a caballo, de día o de noche, vestidos o desnudos. Frases que suenan a verdades ocultas y la constante presencia de los cuatros elementos de la naturaleza nos intentan llevar a un origen, a una esencia, creando una atemporalidad de los hechos y una visión única de la vida y de la historia de la humanidad.

No hay una interpretación universal: probablemente Garrell quiso decir otras cosas más, o quizás algunas menos. Deberíamos de verla muchas más veces para opinar, e igualmente no podríamos estar seguros que nuestra vision seria la del autor.

Raúl Ruiz

Ilaria Gambarelli

PALMARÉS / AWARD-WINNERS

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS, Wayne Wang (AEB / EE.UU. / USA)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

BUDA AZ SHARM FORU RIKHT/BUDDHA COLLAPSED OUT OF SHAME, Hana Makhmalbaf (Irán-Francia)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR

NICK BROOMFIELD, BATTLE FOR HADITHA (Gran Bretaña)

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ

BLANCA PORTILLO, SIETE MESAS DE BILLAR FRANCÉS (España)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR

HENRY O., A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS (EE.UU.)

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

CHARLIE LAM, CEOT OI KAP GEI/EXODUS (Hong Kong)

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN ex-aequo

GRACIA QUEREJETA y DANIEL PLANELL, SIETE MESAS DE BILLAR FRANCÉS (España)

JOHN SAYLES, HONEYDRIPPER (EE.UU.)

PREMIO ALTADIS–NUEVOS DIRECTORES

SOUL CARRIAGE, Conrad Clark (China- Gran Bretaña)

PREMIO HORIZONTES

EL BAÑO DEL PAPA, Enrique Fernández y César Charlone (Uruguay–Brasil–Francia )

MENCIONES ESPECIALES

PÁRPADOS AZULES, Ernesto Contreras (México)

SATANÁS, Andrés Baiz (Colombia)

PREMIO TCM DEL PÚBLICO

CARAMEL, Nadine Labaki (Líbano-Francia)

PREMIO PELÍCULA EUROPEA

LE SCAPHANDRE ET LE PAPILLON, Julian Schnabel (Francia)

PREMIO DE LA JUVENTUD

CARAMEL, Nadine Labaki (Líbano-Francia)

III Mostra Internacional de Cinema Europeu Contemporani de Barcelona (MICEC’07)

El passat 8 de juny va acabar la III Mostra Internacional de Cinema Europeu Contemporani deBarcelona (MICEC’07), impulsat pel historiador i professor de l’UPF, Josep Font. EL MICEC aquest any comptava amb 50 films, més tots els capítols (15 hores) de la sèrie de televisió “Berlín Alexanderplatz” que R.W Fassbinder havia realitzat a Alemanya i que es podia veure per primera vegada al nostre país. La Mostra, que es va projectar als cinemes Aribau Club (a excepció de la inauguració a la sala gran de l’Aribau Multicines), s’estructurava en 4 seccions no competitives anomenades “ESPEJOS” (cinema europeu d’autor), “VENTANAS” (nous cinemes emergents, aquest  any centrat en Alemanya i Portugal ), “PANTALLA” (esdeveniments, temes i variacions de l’imaginari cinematogràfic europeu, en aquesta ocasió amb la sèrie restaurada de Fassbinder ja mencionada), “ESCENA” (homenatge anual a un cineasta imprescindible: Jacques Rivette en aquest cas) i “Retrovisor” (recuperació de títols bàsics de la producció europea anual).

A continuació les valoracions dels films que vam poder veure:

COEURS, Alain Resnais. 120’ (Inauguració)

La nueva película de Alain Resnais mantiene grandes puntos comunes con sus ultimas obras, nos cuenta pequeñas historias de pequeños personajes que se entrecruzan, intentando encontrar a alguien con quien compartir la soledad. Para ello sitúa la acción muy claramente en una estación del año muy concreta: el invierno, siendo la nieve el recurso visual que une constantemente las pequeñas historias, contadas en capítulos muy cortos. La nieve une y da a la película un tono melancólico, algo triste, y a pesar de que el film no sea un dramón cargado de melodrama barato, sí que produce una sensación de tristeza nada empalagosa.

La película es algo larga, pero logra mantener el interés hasta el final, donde las historias se van entremezclando, sin encontrar una solución a la soledad. Buen montaje e interesante uso de la luz (al final se permite varios usos “no realistas” bastante atrevidos, ya que rompen con el tono hasta entonces realista), y ante todo una aproximación cercana y humana a unas vidas a la deriva.

Lo peor quizás sea la visión del sexo, que se me antoja como la de un viejo, que es lo que es Alain Resnais, ya que todos los personajes se enfrentan al sexo de una forma muy exagerada, y muy poco madura, algo que me produjo cierta extrañeza, aunque se pueda comprender. Lo mejor es sin duda el elenco de actores, la mayoría ya habituales de Resnais, que forman un reparto de lujo, y dan a sus personajes un empaque emocional capaz de contrarrestar la aparente gelidez con la que Resnais afronta este film.

Notable incursión de Resnais, alejada de los proyectos vanguardistas que lo hicieron famoso con la Nouvelle Vague, pero que tiene grandes puntos de interés y aún más grandes dosis de humanidad.  Raúl Ruiz

IL CAIMANO,  Nanni Moretti. 112’ (Secció Espejos)

En “Il caimano” Nanni Moretti pretende entremezclar la realización de una película basada en la vida de Silvio Berlusconi, con la vida personal del productor que se empeña a realizarla, un productor en decadencia de películas de bajísimo presupuesto, que esta iniciando la separación de su mujer (y antigua musa) y que en realidad lo último que desea hacer es cine político. El problema de este experimento es que una parte (la que se refiere directamente a Berlusconi) no logra mantener el interés y la otra (la tragicómica vida del productor) sí, por lo que todo el tiempo dedicado a Berlusconi, aun teniendo cosas buenas, lo único que logra es ralentizar la trama que realmente interesa, la del estresado y algo patético director de serie Z que ve como su productora y su matrimonio se les van al garete, que cada vez comprende menos a sus hijos y que para rematarlo inicia un proyecto, que puede ser el ultimo, con connotaciones políticas y con una directora inexperta, que tiene muchos ideales pero poca experiencia. Muestra con cierto éxito la animadversión de los Italianos hacía la política, y su tendencia a dejarse engatusar por seductores de tercera división, así como logra transmitir la desesperación, un tanto cómica, del productor, pero las escenas de Berlusconi alargan la historia demasiado y hubiera sido más efectiva si hubiera ido al grano.

Bien como tragicomedia costrumbista, regular como película política. Raúl Ruiz

GRBAVICA, Jasmila Zbanic. 100’ (Secció Retrovisor)

La mirada de la escritora y directora nacida en Sarajevo, Jasmila Zban, nos acerca en su primer largometraje la vida cotidiana de dos mujeres: Esma y su hija adolescente Sara, a dos personajes que intentan vivir con dignidad en un Sarajevo a la deriva, en el que el pasado es todavía un recuerdo demasiado doloroso.

Grbavica, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, conserva la cercanía de las historias universales contadas sin pretensiones, con personajes complejos y bien interpretados, en lo que el día a día es una lucha por recuperar un presente usurpado.

El contexto de la ciudad de Sarajevo, del barrio de Grbavica, donde a pesar de la aparente normalidad, todavía continúan identificándose muertos y apareciendo fosas comunes, Esma sobrevive del subsidio estatal que le permite mantener a duras penas a su hija adolescente Sara.

Su trabajo nocturno como camarera le llevará a conocer el lado más oscuro de la nueva ciudad, donde la mafia, los ajustes de cuentas y la violencia son asumidos para seguir adelante.

La profundidad con que está narrada la relación madre-hija, convierte la historia de Esma y Sara en algo más que un alegato contra la guerra, en una declaración de principios valiente donde se reivindica valores y costumbres tan olvidadas ya como la solidaridad entre mujeres o el respeto a la memoria. Aurora Igual

Sap greu que un film que va guanyar l'Os d'Or del Festival de Berlín de l'any 2005 hagi tingut tant poca difussió i que a la sala hi hagués tant poca gent, però si sap greu no és per ser una peli premiada amb poca difussió (cosa que de vegades passa) sinó per ser una molt bona pel.lícula que malauradament no ha arribat a massa gent.

Senzilla i subtil, la narració tracta d'una noieta, Sara, que vol anar d'excursió de l'escola i la mare no pot pagar-la, per tenir un gran descompte i poder anar-hi només caldria un certificat que acredités que el pare de Sara fou un màrtir de la guerra... però malauradament...no fou així.

Perquè la Història que surt als diaris i a les notícies és només una part de les Històries, aquelles històries quotidianes de superació, amb ferides que s'arrosseguen en el dia a dia fins que som capaços d'exposar-nos a la seva cicratització, perquè la crueltat d'una guerra com la dels Balcans no s'acaba quan deixa de sortir als mitjans, per tot això i perquè la peli és modesta, ben feta, ben narrada, gens panfletària i plena d'un simbolisme subtil que ajuda a convertir-la en quelcom quotidiana i universal, afegit a que el punt de gir final és dels millors que he vist darrerament, crec que es tracta d'una pel·lícula que cal veure. Òscar Herrera

UNO DE LOS DOS NO PUEDE ESTAR EQUIVOCADO, Pablo Llorca. 83’ (Secció Espejos)

L'única pregunta que em ve al cap desprès de veure el film i desprès d'anar a internet cabrejat a la recerca de dades és: Pablo Llorca, d'on has tret 1.100.000 euros per fer tal merda de pel·lícula? Ara entenc perquè les preguntes al director les haviem de fer abans de veure la peli i no desprès  I segurament deuen ser poques pel·les, no?, però tinc col·legues que sense un putu duro fan millor cinema que tú.  Òscar Herrera

(Admite que la faceta de productor "no es por vocación sino por necesidad", ya que "en este negocio es muy normal ejercer al principio de productor, aunque lo raro es mantenerse", apunta Llorca, que en esta ocasión cuenta con un millón cien mil euros de presupuesto para Uno de los dos no puede estar equivocado).

JARDINS EN AUTOMME, Otar Iosseliani. 115’ (Secció Espejos)

Otar Iosseliani es un director de cine experimentado, cuyo desconocimiento es extraordinariamente mayúsculo en nuestro país. Jardins en Automme es una curiosa fábula política, en la que un ministro debe dejar su cargo perdiéndolo todo, volviendo a sus humildes orígenes, encontrándose a sus viejos amigos, a algunos nuevos, a sus mujeres, el alcohol de elaboración casera,... en definitiva recuperando todos los pequeños placeres que hacen de la vida un buen lugar, mientras que los que le relevaron del cargo sufren lo que él sufrió. Comedia extraña, tan cercana al costumbrismo como al absurdo, que alaba la vida sencilla y los pequeños placeres, dando más importancia a los personajes, tanto al protagonista como a los numerosos secundarios, que al débil, pero existente, hilo conductor. Con un estilo que tiene algo de Chaplin en su tono cómico y en sus alabanzas a la vida contemplativa, y con un sentido del humor muy cercano al de Tati, aunque dando más peso a los diálogos y a unos gags más sencillos, o al de las tragicomedias de Aki Kaurismaki, Iosseliani parece decirnos que los triunfadores quizás no lo sean tanto, y que los perdedores pueden ser más felices que nadie.

La película exige entrar en el extraño y algo absurdo sentido del humor del director de origen Georgiano, pero si logras entrar en ese curioso microverso, el visionado de este film será una experiencia saludable, divertida, extraña pero atrayente, y quizás te entre ganas de descubrir que más ha realizado este buen hombre.  Raúl Ruiz

EL LIBRO NEGRO, Paul Verhoeven. 145’ (Secció Retrovisor)

Paul Verhoeven es un director ampliamente conocido, por lo que ya estamos más que prevenidos antes de enfrentarnos a una de sus películas. Verhoeven es un director con buen olfato comercial, que no duda en utilizar sus obsesiones en sus películas: las falsas apariencias, el lado oculto del alma humana, la subjetividad de la realidad, el deseo sexual, la escatología,... sin olvidar en ningún momento a la taquilla. Con “El libro negro” vuelve al espíritu de “Eric, oficial de la reina”, mezclando aventuras y comedia con el drama de la ocupación nazi, no escatimando en ninguno de estos elementos y sobreviviendo al resultado.

La película te atrapa desde la primera escena en la Holanda ocupada, la protagonista, aunque muy consciente del peligro nazi, rompe con el tópico de la judía llorona y atemorizada, y por lo contrario nos encontramos con un personaje con ganas de divertirse, de vivir la vida mientras dure, valiente y atrevida... en definitiva el personaje perfecto para una película de aventuras, pero Verhoeven, que de tonto no tiene un pelo, nos va regalando pequeñas escenas de terror nazi, para que no nos olvidemos que tras la aventura se esconde mucho dolor. La película va creciendo, llegando un punto en el que llegamos a sentir empatía por un oficial nazi, y preocupación porque quizás haya un espía entre la resistencia, los roles son utilizados/manipulados por Verhoeven para sacarnos de nuestra cuadriculada fijación por buscar buenos y malos. La película entretiene, esta plagada de giros dramáticos y argumentales, como los viejos seriales de aventuras, pero están dotados del realismo justo para que nos los podamos creer. Solamente un par de peros, es excesivamente Hollywoodiense en la forma, sobretodo en el uso de la música, y desde que tenemos certeza de quien es el traidor hasta el clímax final hay un espacio de tiempo muy largo, que no se hace eterno porque no paran de ocurrir cosas, pero que hubiera sido más efectivo si hubieran tardado más en desvelar a los espectadores quien es el traidor. Pero son pequeñas quejas, nos encontramos con una estupenda película de entretenimiento, inteligente, divertida,

con mucha fuerza, y que como todas las grandes películas, propone ideas abiertas a variadas lecturas.

Este es un ejemplo que comercialidad no debería porque estar reñido con calidad.  Raúl Ruiz

Teniu més informació i comentari de El Libro Negro a la secció Criti-Zona (Estrenes)

LA INFLUENCIA, Pedro Aguilera. 95’ (Secció Espejos)

Film de ficció amb vocació documental sobre una noia que perd la seva feina per dificultats econòmiques (no pot pagar el lloguer de la seva petita botiga de productes de maquillatge) i havent de fer front al dur dia a dia amb els seus dos fills s'acaba enfonsant definitivament. L'aire lent, paussat i trist a l'estil de l'Antonioni no és un fre per a entrar en aquesta història trista i quotidiana, història comuna per a moltes mares (aquelles famílies que solem anomenar monoparentals i que en la majoria dels casos són "monomaternals") que han de fer front elles soles amb moltes dificultats del dia a dia, la feina, la cura dels nens, la manca d'afecte i de reconeixement, però el film es desmunta en el tercer acte quan pretenent adoptar un aire més simbòlic acaba perdent versemblança i força. No provoca badalls però s'hi aproxima. De tota manera, com proposa algunes coses interessants tant en la forma, com (en certa manera) en el contingut, la peli es queda en aprobada. Òscar Herrera

XVII SEMANA DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR DE SAN SEBASTIÁN

(28 OCTUBRE – 4 NOVIEMBRE 2006)

Un festival diferente

Si pensamos en un festival de cine, nos imaginamos un escaparate de arte comprometido, un homenaje constante al drama y, sobre todo, muestras obligatorias de seriedad, buenas formas y total puntualidad. Incluso cuando el festival es de cine fantástico y terror, como el celebrado en Sitges, los comportamientos no parecen cambiar. El género cinematográfico cambia, la actitud no.

Cuando alguien asiste a la Semana de cine fantástico y de terror de San Sebastián, el concepto de festival y de proyección cambia radicalmente. Parece una vuelta a los orígenes, al cine como un acontecimiento festivo y social. Nada de individuos metidos en sus burbujas. A la mierda todo eso!. Aquí la gente puede entrar en la sala cuando quiere, marcharse a mitad de proyección para ir a la barra y volver con las bolsas de patatas más ruidosas, el alcohol más etílico y muchas más ganas de pasarlo bien. Y no pasa nada, de esto va el festival. 

Pero no sólo se trata de público palomitero y alcohólico. Eso es sólo el principio, los preliminares para la sesión, la preparación de la fiesta… En este festival, la relación entre película y espectador es total. Es un juego interactivo en el que el asistente no es un sujeto pasivo, aquí el espectador cobra más importancia que la propia película. Si el film empieza lento, siempre hay alguien que expresa en alto su aburrimiento. Si muere un personaje, el público aplaude. Si la trama se vuelve previsible, cualquiera puede adelantarse y, gritando, hacer un comentario jocoso. En algunas ocasiones, el comentario es tan ingenioso que se lleva un sonoro aplauso . Y ahí llega la paradoja. Cuanto peor es la película, más divertida puede ser la sesión.

Cine fantástico y de terror

¿Qué sucede si la película es buena? Lo normal es que, si el film interesa, los espectadores sean absorbidos por la historia y sólo intervengan en momentos puntuales. Esto sucedió con la película de clausura, The Host. Y es que no sólo de bodrios vive el espectador de este evento. La selección de películas combina ese tipo de cine cercano a la serie z y fácil de digerir con el cine de género más interesante del panorama actual. El mejor ejemplo es que varias de las películas a concurso han participado, incluso han sido premiadas, en el Festival de Sitges.

La encargada de inaugurar la semana fue Severance, película comparada con importantes títulos como Deliverance y Zombies Party. Tras este sangriento inicio, han destacado obras tan diversas como llamativas. Seleni, la última película del maestro de la animación Jan Svankmajer, trajo al festival su personal universo, esta vez combinando actores con toda clase de animación. También destacó el cine con animales, como Isolation y Black Sheep. En ambos films, seres tan pacíficos como las vacas y las ovejas acaban siendo más peligrosos que un tiburón en ayunas. Y todo gracias a unos experimentos genéticos…  Tampoco faltó el cine español con Los Abandonados, de Nacho Cerdá. Y entre tanta muestra de sangre, violencia y horror, también hubo un hueco para el “género romántico” con Grimm Love, polémico film que narra la historia real de dos alemanes que se citaron para una sesión de amor caníbal.

Mención aparte merecen los cinco episodios escogidos de Masters of Horror. Esta serie de televisión, inédita en España, es un conjunto de historias independientes cuyo mayor mérito es haber reunido a los directores más importantes del cine de terror de los últimos cuarenta años. Coincidiendo con la noche de Halloween y dentro de un maratón lleno de sorpresas, se proyectaron los capítulos dirigidos por Takashi Miike, John McNaughton, Don Coscarelli, Joe Dante y Lucky McKee. Para rematar la noche, se incluyó en la programación una película sorpresa: La Matanza de Texas, El Origen.

Una buena sección oficial siempre tiene un ganador. Aunque, en este caso, el procedimiento para dar el premio es distinto. En vez de un jurado, los elegidos son los espectadores. Y después de muchas horas de casquería, terror puro y duro, terror de risa y lo mejor del género fantástico, la ganadora fue Reinaissance, película de animación que experimenta con los avances tecnológicos, alcanzando un estilo visual parecido al de Sin City. 

Fin de la fiesta: Scully Movie VS Cine Coreano

La clausura tuvo dos protagonistas de lujo. El primero, Santiago Segura, no faltó a su cita habitual con el festival y estuvo presente con un video que abrió la sesión de cierre. En esta video-creación, el personaje interpretado por Segura soltó varias perlas que arrancaron las carcajadas del público. (Imaginen que chascarrillo soltó para unir Memories of Murder con Scully Movie…)

Tras esta presentación, se proyectó The Host. La película, dirigida por Bong Joon-Ho (Memories of Murder), es una relectura del cine de monstruos en la que un grupo de personas debe unirse y acabar con el problema que las autoridades han provocado: Un bicho grande y feo cuya afición es capturar humanos y esconderlos en algún hueco de la ciudad… En este gran film no falta nada. El monstruo es un prodigio de la tecnología digital. El guión mezcla con agilidad el género fantástico, el humor, los dramas personales y momentos de gran tensión. La dirección es otra muestra de talento de uno de los directores punteros del cine coreano. Resumiendo, película imprescindible y necesaria en un género plagado de obras planas, sosas y estúpidas, como fue la versión americana de Godzilla. 

Mucho más se podría decir de esta gran fiesta, pero es mejor si lo disfrutan en persona. Recuerden, entre la última semana de octubre y la primera de noviembre, el gran guateque del terror les espera…

Jordi Farga

UN PASEO POR SITGES 2006 por Raúl Ruiz

1- Introducción introductoria de un intruso

Ante todo debo sincerarme, llevo varios años estando acreditado en el festival de Sitges y por primera vez creo que me he relajado en el seguimiento de las películas proyectadas, mi ritmo habitual de 5 o 6 películas diarias se han reducido en esta ocasión a una media de 3; incluso debo admitir no haber podido ir algunos días... algo impensable en anteriores ediciones. Pero todo tiene su lado positivo, el haber visto menos películas facilita que quizás las haya visto en mejores condiciones, y no nos engañemos, lo que para mí es ver pocas películas para la mayoría de mortales significaría ver muchas, así que creo que el listado es amplio, y algunas de estas películas ya se han estrenado en nuestras salas o lo harán en cualquier momento.Como me veo incapaz de recordar cuando vi tal o cual peli haré la reseña dirigiéndome directamente a las películas que he visto según su sección, obviando premios y tal, más que nada porque no vi las dos grandes triunfadoras y prefiero no juzgar sin tener conocimiento de causa. A las películas les haré un “subtitulo” y una puntuación (sobre 10), a pesar de que no creo en ninguna de las dos cosas, pero sé que a los lectores les suele gustar estas tonterías y el festival de Sitges facilita este tipo de familiaridades tan poco ortodoxas.Por lo demás remarcar que ni cambiando las fechas el festival se libra de la lluvia y que se mantiene (o incluso se amplía) el caos en las acreditaciones, algo que parece implícito en el devenir del festival.

2- SECCION OFICIAL FANTASTIC

LOS ABANDONADOS (THE ABANDONED) 3 Dir.: Nacho Cerdá  Con Anastasia Hille, Karel Roden,...YO TAMBIEN VEO MUERTOS...

Otra peliculita más de la fantastic factory, con los mismos problemas que la mayoría de películas de la productora (salvaremos de la quema a “The machinist”, que estaba muy por encima de la media).Estamos hablando de películas técnicamente impecables, con una fotografía y una música a la altura de cualquier película de Hollywood, rodadas en ingles y dirigidas a un publico mayoritariamente adolescente. Es una pena que tantos medios se destinen a un proyecto tan falto de alma, tan intrascendente y, lo peor, tan olvidable. A medida que aumenta mi experiencia en rodajes no puedo evitar que me duela criticar películas de otros, ya que cada vez soy más consciente del trabajo que se esconde detrás de un proyecto, pero ver películas como esta saca lo peor de mí.La historia no se sostiene por ningún sitio, en un sin sentido cuya única finalidad es ser una excusa para que se repita la formula de “veo muertos”, sin más, no hay desarrollo dramático alguno, solo sustos y más sustos potenciados por los “latigazos” musicales, al final no sabes si el miedo te lo dan los fantasmas o los golpes musicales. La ausencia de desarrollo dramático se paga caro, a nadie le importa que ocurra con los personajes, solo esperamos ver su anunciada muerte, sin más. Y para rematar al principio y al final de la película hay la voz en off de la hija de la protagonista, que solo sirve para sacarte de la película (al principio cuando la oyes crees que va a ser la prota, o la narradora, y ni chicha ni limoná) y para romper lo único coherente del film, un argumento circular, la del pasado que siempre vuelve a atar los cabos sueltos... ni esa simpleza tan vista y repetida es respetada por ese despropósito de guión. Paradójico que filmax, que tiene tan buen gusto como distribuidora, siga empeñada como productora en estos productos “basura” con la ilusión de que serán exportables. Una pena, creo que España debería ser capaz de hacer muy buen terror, pero mientras sigamos obsesionados con copiar lo peor del cine americano y olvidarnos de lo mejor del nuestro, no llegaremos a ningún sitio. Triste.

EXILED (FONGCUK) 6'95Dir.: Johnie To Con Anthony Wong, Francis Ng, Nick Cheung, Richie Jen, Josie Ho.AQUI NO SE SALVA NI EL APUNTAOR, HE DICHO!

Debo admitir no ser un gran fan de Johnie To, el homenaje que disfrutó el año pasado en Sitges me facilitó ver algunas películas suyas, que me dejaron un sabor desigual. Me di cuenta que lo disfrutaba más cuando se dedicaba a entretener (The mission, por ejemplo) que ha demostrar que es un autor (The election, por ejemplo). Con todo se ganó mi respeto (el plano-secuencia inicial de “Breaking news” es muy muy espectacular) y mi curiosidad. Por ello iba con ciertas dudas para ver “Exiled”, el que repitiera el equipo de “The Mission” era una buena noticia, y en gran parte se confirmo, lo malo y lo bueno. A esta película, como en todas las que he visto de To, le sobran tiempos muertos que dilatan ritmo y que en ocasiones provocan confusión y/o aburrimiento. Pero por otro lado tiene lo mejor de su cine: esos personajes losers tan expertos con el gatillo como en mandar sus vidas al garete, en la mejor tradición del cine de gangsters; y sobretodo la espectacularidad de las escenas de acción, a la altura de Woo y Tsui Hark, pero con un delicioso tono operistico que en cierta manera lo hermana a Coppola o Scorsese. En general la película te deja un muy buen sabor de boca, ya que lo peor está en la parte media del film, casi al principio, y el final es muy espectacular y entretenido, mezclando épica y humor con bastante acierto, con unas escenas de disparos tan irreal y falsa como adictiva. Si alguna vez estrenan alguna película de To en nuestras salas, esta sería una buena opción.

FIDO 8Dir.: Andrew Currie. Con Carrie-Anne Moss, Billy Connolly, Dylan Barker, Henry Czemy, K`Sun Ray.OCOMO MI MUJER SE LO MONTA CON UN ZOMBIE.

¿Cómo sería una película de Douglas Sirk protagonizada por zombies?... Aunque dramáticamente no tenga nada que ver con Douglas Sirk (Sirk es más explicito en lo dramático e implícito en lo cómico), la ambientación de esa América tan empalagosamente perfecta como artificial los hermana, algunos personajes de “Fido” parecen salidos del casting de “Solo el cielo lo sabe” o “Imitación a la vida”. Nos encontramos con un curioso argumento: EEUU en los años 50, por una extraña causa hace años los zombies se levantaron de su tumba, la película se sitúa cuando la situación esta controlada, al menos en las ciudades, donde han creado unos collares para controlar zombies, que son utilizados como trabajadores baratos y “animales” de compañía. Pero siempre existe la amenaza de que algún zombie se liberé del collar y se haga el caos. Se agradece ver una película tan cuidada como esta, donde lo cómico convive con total naturalidad con la critica social. La ambientación es muy buena, cuidando muy bien todos los detalles (la película empieza con un falso noticiario típico de los cincuenta, manteniendo el formato de pantalla real que se utilizaba entonces (4:3 aprox.), solamente cuando acaba el noticiario que nos explica la situación se pasa al color y al formato actual de pantalla de cine(1:85 aprox.), por poner el primer ejemplo que se ve), la dirección artística da muestra de que con bajo presupuesto se pueden hacer cosas notables. Algunas situaciones son muy divertidas, como la ama de casa insatisfecha por su marido, que se obsesiona por tener un zombie en casa “porque todos los vecinos tienen al menos uno, y que dirán de nosotros, que no tenemos ninguno” y que cuando lo consigue se enamora de él, porque es más atento que su propio marido, que solo la quiere para que le haga la comida y para aparentar. El pero de la película fue quizás el final, algo forzado, pero no lo suficiente como para empañar la película sorpresa del festival. La película que más carcajadas y aplausos se ganó este año. Divertida y, a ratos, ingeniosa. Espero que se animen a estrenarla en nuestras salas.

THE HOST (GUIMUL) 6'75 Dir.: Bong Joon-ho Con Song Kang-ho, Byun Hee-bong, Park Hae-il, Bae Doona, Ko A-sung. LA FAMÍLIA UNIDA JAMÁS SERÁ VENCIDA.

Después de la notable “Memories of murder”, ese extraño policíaco sur-coreano donde suspense, drama y comedia se daban la mano con total naturalidad, las expectativas estaban a flor de piel. El resultado es agridulce, aunque todo sea dicho más dulce que agrio. “The host” no esta a la altura de “Memories of murder”, incluso se diría que es una película de encargo, donde lo espectacular, los efectos especiales y la acción tienen un gran peso dentro del film, y a la que le sobra algo de metraje. A pesar de ello el film consigue su objetivo: entretener. La historia es sencilla, un científico hace tirar productos químicos altamente contaminantes por un desagüe común, una criatura crece en el río y aterroriza a la ciudad. Una historia de monstruo entre medias del “Godzilla” nipón y “The Relic” norteamericano. Pero con un punto de partida interesante, una niña sobrevive al ataque del monstruo y se despierta en su guarida rodeada de cadáveres, por otro lado su familia (padre, abuelo y tíos) harán todo lo posible para buscarla, ya que han recibido una llamada de su móvil. Es en la creación de personajes donde esta película marca la diferencia con cualquier producto norteamericano, como ya ocurría en “Memories of murder”, la familia es una pandilla de freakys, sobretodo el padre, que es tonto de remate pero “indestructible”, ya le pueden golpear, drogar o humillar, él seguirá siendo el mismo idiota de siempre, sin que nada le afecte. Entre risas y efectos especiales muy bien conseguidos, hay una leve critica al gobierno, que se inventa infecciones falsas para utilizar su armamento libremente, cierta critica ecologista,... pero todo muy diluido, es la familia la autentica protagonista, sus peleas y la necesidad de unión para encontrar a la niña, por lo que entre las risas puede colarse alguna lagrima, eso sí, poquitas, porque no es una película de emoción, sino de sano entretenimiento y de reírse de un tipejo idiota pero entrañable, que afortunadamente no forma parte de nuestra familia. Esta peli tiene todos los números de estrenarse en España, si queréis un poco de entretenimiento es muy recomendable. 

LES SCIENCE DES RÊVES (THE SCIENCE OF SLEEP) 6'5 Dir.: Michel Gondry. Con Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabel, Miou Miou. QUÉ ALGUIEN ME DESPIERTE DE UNA PUÑETERA VEZ!

La carrera de Michel Gondry es en cualquier caso interesante, pasó de ser un afamado director de videoclips, a unirse a Charlie Kaufman, el guionista más de moda de los últimos años. Su primera colaboración, “Human Nature”, fue algo decepcionante, aunque a ratos fuera divertida, resultaba ser de lejos la menos interesante de todas las guionizadas por Kaufman, en contra la segunda, “Olvídate de mí”, resultó ser una agradable sorpresa, posiblemente la mejor de Kaufman. En estas te encuentras ante la nueva película de Gondry, con un guión escrito por él mismo y rodado en Francia, su país de origen, por lo que no tenía muy claro a que atenerme.Gondry no consigue escaparse de la sombra de Kaufman, la película produce la misma sensación de extrañeza que las de él, ya que el protagonista, un dibujante en crisis que va a vivir a Francia porque su madre le ha conseguido un trabajo allí, se refugia en el mundo de los sueños constantemente, llegando a confundir realidad con sueño constantemente, enamorándose de una francesa guapa e inteligente, que tiene que sufrir la incerteza de su esquizofrénico amigo y vecino. Pero no os asustéis, no es una de esas películas donde no se entiende nada, Gondry no es Godard, Resnais o Bergman, sus idas y venidas no pretenden provocar/golpear al espectador, sino dar rienda suelta a los delirios visuales de Gondry, no siempre del todo justificados y que alargan innecesariamente la película, que para contar lo que cuenta malgasta metraje y medios. Es una historia sencilla muy bien embadurnada, que sorprenderá a los menos exigentes y molestara a los más, pero que no es ni una estafa, ni una maravilla, sino una película imperfecta que se deja ver, que mezcla buenas ideas con otras muy gratuitas y mediocres. Con todos sus defectos fue una película que me agradó, pero porque un personaje que tiene problemas para mantener relaciones personales con una chica que le gusta, por lo que huye a su propio mundo, es un personaje con el que me es fácil empatizar. Si ese no es tu caso, no vayas al cine, ya la veras en dvd o en tv.

TAXIDERMIA 6'5 Dir.: György Pálfi Con Csaba Czene, Gerg Trócsányi, Marc Bischoff, István Gyuricza. COMO LLENAR UNA PALANGANA DE VOMITO Y PEDIR UNA SEGUNDA.

“Taxidermia” es la película más sorprendente y traumatizante del festival, aún hoy no sé muy bien que pensar de ella, si es un engañabobos o una genialidad, si puntuarla con un 3 o con un 9, me cogió desprevenido y necesaria verla almenos una vez más para opinar. Escatológica y de mal gusto. Espectacular y sorprendente. Sexo sucio, masturbaciones, asesinatos, campeonatos alimenticios, vómitos interminables, desmembramiento... todos estos elementos se siguen uno tras otro en la historia de 3 generaciones de una misma familia, que pretenden ser una radiografía de la sociedad y del ser humano nada complaciente. La historia es difícil de seguir, ya que el contexto es extraño, no sabes muy bien donde y cuando esta ambientada la acción, es difícil entender la relación/causa efecto de lo que sucede, te queda claro que el ser humano es sucio, ambicioso y odioso, pero lo consigue a partir del exceso, de la parodia, del absurdo, una extraña mezcla del Fellini de “Satyricon” y de los Monty Phyton de “El sentido de la vida”. Lo más sorprendente es que esta descabellada y desconcertante película es visualmente impresionante, con movimientos de cámara e ideas de montajes alucinantes, realizar una película con ese tratamiento visual, con esos impresionantes movimientos de cámara... es muy muy caro, solo al alcance de una superproducción (me gustaría saber su presupuesto) internacional. Desconcertante y excesiva, esta película no es manjar para todos los gustos. Yo aún no me he decidido, habrá que volverla a ver.

3- SECCION OFICIAL PREMIERE

CHILDREN OF MEN 7'5 Dir.: Alfonso Cuaron.Con Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Clare-Hope Ashitey, Chiwetel Ejiofor. LO DIFICIL QUE ES PARIR A UN BEBE.

Curiosa carrera la de Cuaron, capaz de atreverse con un Dickens “modernizado” en “Grandes Esperanzas”, con un drama de iniciación sexual travestida de road movie en “Y tu mama también” o con el mejor Harry Potter de la saga en “Harry Potter y el prisionero de Azcaban”. Llama la atención los curiosos cambios de géneros de su carrera, todas sus películas, almenos las que he visto, se distinguen por tener un digno nivel, sin llegar en ningún momento a la obra maestra, son el resultado del buen trabajo de un artesano, que sabe elegir bien a sus colaboradores, con especial atención de Emmanuel Lubezki, el director de fotografía, artífice de lo mejor de la obra de Cuaron. Con “Children of men” se acerca a la ciencia-ficción futurista apocalíptica, en un futuro muy lejano la naturaleza castigara al orgulloso ser humano con la esterilidad, sin conocerse las razones durante más de una década no ha nacido ningún niño, el mundo entero esta sumido en un caos autodestructivo mientras cada vez se ve más cerca el final del mundo, para el ser humano. El gobierno Británico sobrevive a este caos gracias a un estado autoritario pseudofascista altamente xenófobo, por otro lado terroristas ecologistas intentan derrocar al gobierno. Una joven embarazada esta metida en medio, siendo victima potencial de peligros y manipulaciones. Nuestro aguerrido protagonista, una especie de Bogart moderno y decadente, hará lo posible para salvarla, a ella y a su niño. La película es pretenciosa, algo esquiva en explicaciones (lo que no saben solucionar se limitan a no explicarlo, sobretodo a la hora de mostrar el contexto social) y algunas escenas tienen un suave regusto new age algo pasado de rosca. Pero por otro lado tenemos una película muy entretenida y, ante todo, muy muy espectacular. Es espectacular el impresionante trabajo del equipo de arte, la ambientación es muy cuidadosa y esta sembrada de detalles que nos ayudan a entender la situación de emergencia que el guión descuida. El trabajo de los actores es muy correcto, se puede lamentar la prematura muerte de Julianne Moore, una de las mejores actrices actuales, pero tanto Clive Owen, haciendo de “loser” cínico y desencantado, y Michael Caine, demostrando una vez más sus enormes dotes interpretativas como un viejo científico hippie, desarrollan sus personajes con convicción. Pero quizás lo más sorprendente del film, lo más remarcable e inolvidable, es el gran trabajo del equipo de fotografía, la película nos sorprende con una fotografía muy gris y descuidada, en apariencia, regalándonos varias filigranas técnicas que sobresalen no solo dentro de la película, sino dentro de la cartelera actual. Las dos escenas más impactantes son:

1.      La escena de la muerte de Julianne Moore, rodada a base de panorámicas circulares dentro del coche, sin cortes, con el coche en movimiento real. Esta escena solo puede haber sido rodada quitándole el techo al coche (el coche es descapotable, pero eso esta muy bien disimulado) y colocando la cámara desde arriba, con todas las dificultades que implican controlar la imagen desde arriba y con el coche en movimiento, y aún más teniendo en cuenta que la cámara nunca para de moverse, pero siempre muestra aquello de mayor interés. Rodar este plano bien puede haberles costado una semana larga de trabajo, además del tiempo planeándola como hacerla.

2.      La escena realmente espectacular y sorprendente esta casi al final, cuando los ecologistas raptan a la chica con el bebe, y el protagonista va detrás de ellos para recuperarla. La escena esta rodada con un impresionante plano secuencia en el que la cámara sigue al protagonista corriendo de un lugar a otro, protegiéndose de la lluvia de balas de la batalla campal que se esta librando, entrando en un piso y recuperando a la chica. Un larguísimo y extraordinariamente complicado plano, una filigrana que no solo requiere un alto presupuesto, necesita además una planificación exacta y muy elaborada, y un equipo técnico-humano muy profesional y capaz. Un plano que puede entrar fácilmente el club de los planos más “estudiables” de la historia.

Lo que la película se ahorra en efectos especiales digitales se los gasta en su trabajo de arte, en la creación de escenas “bélicas” de gran fuerza visual y en esos elaboradísimos planos que hacen de esta una película muy especial.

Nos encontramos con una película muy interesante, con una fuerza visual sorprendente, a la que solamente emborran su gran nivel cierta pretenciosidad, perdonable, pero que evita que ahora hablemos de una obra maestra. Cuaron vuelve a demostrarnos que es un artesano de la imagen de primer nivel, y a ratos nos llega ha hacer creer que tras él se encuentra un gran autor, que personalmente no creo que sea. Con todo habrá que seguir su obra con gran interés.

DRAGON TIGER GATE (LUNG FU MUN) 5,5 Dir.: Wilson Yip

Con Nicholas Tse, Donnie Yen, Shawn Yue, Dong Jie, Yuen Wah. KAME AME AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA!!!

Expectativas: película que ha sido un gran éxito en oriente, basada en un popular manga de artes marciales, protagonizada por unos jóvenes y guapos actores, ídolos adolescentes orientales.

Es difícil hacer un comentario de esta película de carácter cinematográfico, ya que ni es ni pretende ser cine, almenos en su sentido tradicional, e incluso añadiría que tiene más en común con el mundo del videojuego que del manga. El film es un sin fin de peleas con un inconexo preliminar dramático, más parecido a una superación de niveles de poder, que a un desarrollo argumental. Por ello la película es argumentalmente ridícula, cursi y simplista: lucha del bien contra el mal, un malo que en fondo es bueno (y se nota desde el principio), historia de amor empalagosa y prescindible, superarción de poderes para enfrentarse a un enemigo más poderoso, etc... O sea toda la serie de Dragon Ball resumida en hora y media, y protagonizada por actores de poster pegada en carpeta de estudiante de instituto. Almenos las peleas eran espectaculares e hicieron las delicias del freaky-fan festivalero, aunque abusaban en demasía de los efectos digitales, lo que le quitaba la magia de los efectos artesanales, pero claro, este es un éxito superproducción asiática, no una serie B mítica, por lo que poco tiene que ver con la clásica “La leyenda de Zu” y mucho con “Zu Warriors”, con la que comparte sus pocas virtudes y sus muchos defectos, ambas del maestro hongkones Tsui Hark.

PERHAPS LOVE (RUGUO AI) 6 Dir.: Peter Ho-sun Chan Con Takeshi Kaneshiro, Zhou Xun, Jacky Cheung, Ji Jinhee, Eric Tsang. CANTANDO LOS MALOS DE AMORES ESPANTO.

Curioso musical asiatico/chino que tiene un punto de partida interesante, aunque peligroso por el riesgo de caer en lo pretencioso. Un director de fama en decadencia consigue que su mujer/musa/estrella del cine protagonice un músical con otra estrella con la que nunca había actuado, creándose una gran expectativa. Entre las dos estrellas hay una extraña relación de amor/odio, parece ser que se conocieron en el pasado, cuando eran unos desconocidos para el publico. El director de la película interpretará un papel en la película. El triangula amoroso real entre actor-actriz-director se reflejará en la película que están filmando.

La posible pretenciosidad del argumento, con ese supuesto metalenguaje en el que la obra y la realidad se complementan formando uno, se diluye con una puesta en escena demasiado melodramática y tendente a la lagrima fácil. Pero lo peor es la sensación de estar viendo un refrito oriental y cursi de “Moulin Rouge”, incluso algunos números musícales se parecen demasiado (y sin demasiada justificación) a los de la película protagonizada por Nicole Kidman, utilizando los mismos efectos y copiando algunos planos, pero sin llegar a alcanzar nunca lo mejor de la película original: su sentido del ritmo, quizas por la inexperiencia de los chinos para hacer musicales a la “occidental”.

Con todos sus defectos, la película es entretenida y no esta del todo mal como pasatiempo, pero no interesará a los aficionados tradicionales del cine chino, por su naturaleza excesivamente popular y poco exigente El publico “popular” español dudo mucho que se interese por un musical chino, por lo que es fácil adivinar que este producto triunfara, pero exclusivamente dentro del mercado oriental. Fuera de esto el único interés de esta película es la curiosidad y poco más.

PULSE 3 Dir.: Jim Sonzero. Con Kristen Bell, Zach Grenier, Kel O'Neil, Sam Levine. LOS PELIGROS DE LA TESNOLOJIA MOERNA.

Uff, me da autentica pereza perder tiempo para escribir algo de esta película, pero hay que hacerlo... versión norteamericana de “Kairo”, film del cineasta japonés de culto (almenos en Francia, en España parece ser que solo lo conocen en Sitges) Kiyoshi Kurosawa, que nada tiene que ver con el maestro Akira. La versión norteamericana es una película de adolescentes tontolabas que deseas que mueran de una forma lenta y dolorosa, pero a los que lamentablemente sobreviven la protagonista y el protagonista, dos jóvenes guapos y sanos, buenos norteamericanos y la esperanza de la humanidad, que no se sabe muy bien porque extraña razón sobreviven a la encarnación del mal absoluto, que en esta ocasión es una especie de virus informatico que se contagia a las personas, ya sea por internet, móviles, etc... y que convierten a la gente en unos zombies sin ilusiones, que terminan suicidándose. La prota una sosa versión de la cantante adolescente Avril Lavringe, y el prota un guaperas televisivo totalmente olvidable. Todo en esta película huele a visto, a previsible, a repetido,... un topicazo después de otro, lo único interesante es ese tono apocalíptico, que hace que sobresalga un poco, pero de forma insuficiente. Un producto más de tan fácil y rápido consumo, como de olvido.

SCOOP 7 Dir.: Woody Allen. Con Scarlett Johansson, Woody Allen, Hugh Jackman, Ian McShane, Charles Dance. LA MAGIA DEL ASESINATO

La ultima película de Woody Allen es una clara confirmación de que los mejores momentos del cineasta forman parte del pasado y que su “Match Point” no ha sido más que un espejismo momentáneo sin continuidad. Pero no hay que hacer sonar las alarmas, “Scoop” es una película divertida y muy entretenida, que se sigue con suficiente interés como para confiar que el maestro vuelva a ser capaz de dirigir otra maravilla. La película mezcla asesinatos, muertos que vuelven para aprovechar una buena noticia, magia de pacotilla, algo de suspense y mucho humor. Woody Allen hace de Woody Allen, un mago patético que siempre hace los mismos trucos cutres. Y Hugh Jackman hace de galán ingles con bastante soltura. Es quizás Scarlett Johansson la que mea fuera de tiesto, no porque sea una actriz incapaz, sino porque el personaje de estudiante de periodismo patosa y algo romántica no le queda tan bien como el papel de falsa femme fatale que tenia en “Match Point”. Cabe resaltar que la fina ironía que utilizaba en su anterior película para criticar (me atrevería a decir radiografiar) la sociedad inglesa, se vuelve sal gruesa, utilizando un humor muy directo y simplista, que divierte pero que pierde esa fina ironía que lo acerca en ocasiones a Lubitsch. Una buena película, una comedia de las que no se hacen, con buenos diálogos, pero sin la magia de la que Woody Allen es capaz.

THE WICKER MAN 5 Dir.: Neil LaBute Con Nicholas Cage, Ellen Burstyn, Kate Beahan, Frances Conroy, Leelee Sobiesky.PERO QUE MALAS SON LAS MUJERES.

Curiosa la carrera de LaButte, un director de cine independiente con cierto renombre (“En compañía de hombres”, “Amigos y vecinos”) que se pasó al cine comercial con la curiosa e incomprendida “Persiguiendo a Betty”. Tenia cierta curiosidad por ver que había hecho en el cine de terror, aunque matizada, ya que Nicholas Cage es un actor que me empalaga demasiado, tiende a la sobreactuación y últimamente parece una parodia de sí mismo, como Jack Nicholson pero en cutre y con mucho menos talento. La alegría estaba en el reparto de actrices secundarias, entre otras la magnifica Ellen Burstyn (la madre de “Réquiem por un sueño”, por ejemplo), y la joven Leelee Sobiesky (la chiquilla que descubrió Kubrick en “Eyes wide shut”, que pudimos ver en la muy aceptable “Nunca juegues con extraños”), que bueno, a mí me da morbo y quieras que no eso es un aliciente, por muy poco científico que sea.

El film empieza con Nicholas Cage vestido de policía intentando salvar a una madre y su hija, que mueren en un bestial accidente a pesar de su inútil intervención, por supuesto este accidente atormenta al policía, que se pasa toda la peli recordando esta muerte mediante interminables flashbacks, como si hiciera falta mucho melodrama para que Nicholas “cara de estreñido” Cage parezca un tipo atormentado. Lo peor, el accidente no tiene nada, absolutamente nada, que ver con el resto del argumento, solo sirve para recordarnos lo atormentado que esta el personaje y para frenar el desarrollo argumental. Por lo demás la historia tiene cierto interés, es de agradecer que Neil LaButte haga el esfuerzo de evitar todos los truquitos del cine de terror de adolescentes y del cine de terror oriental, e intente hacer una película de terror psicológico a la vieja usanza (parece ser que es una versión de un film de los 70 que no he visto). Pero eso es lo único que se le puede agradecer. El desarrollo tiene un problema de interés, nunca llegas a implicarte con el personaje y poco te importa lo que le pase, además de que todo es muy previsible: Una mujer con la que estuvo a punto de casarse le llama diciéndole que tuvo una hija con él, que ahora vive en una isla con una especie de secta femenina que viven como al final de la edad media y que creen en la magia, y que para colmo ha desaparecido su hija y que las mujeres del pueblo le dicen que su hija no existe... por supuesto tan apuesto policía irá a la isla para encontrar a su hija misteriosamente desparecida, y aun más por supuesto es imposible salir de la isla, no hay cobertura y las mujeres dan muy mal rollito, algo no huele muy bien.

Es una pena que una película con un buen planteamiento, la recuperación del terror psicológico adulto, caiga en una trama tan previsible, que solo sirve para el hipotético lucimiento de Nicholas Cage, que cada vez sobreactua más. Ellen Burstyn esta estupenda haciendo de enigmática líder sectaria, pero aparece poco y no salva la peli. Menos peso tiene Leelee Sobiesky, bien se podían haber ahorrado su personaje, o habérselo dado a una actriz sin ninguna experiencia, pero se confirma que me da mucho morbo, y es que uno es humano.

4- SECCION OFICIAL MELIES

BROKEN 4 Dir.: Adam Mason y Simon Boyes

Con Nadja Brand Mason, Eric Colvin, Abbey Stirling, Olivia Hill, Atesh Salih. LA MUJER PERFECTA SE DESCUBRE CON LA TRIPA ABIERTA.

Película supuestamente independiente de dos jóvenes cineastas, que sigue la senda iniciada por “Matanza en Texas” hace unas décadas. Una mujer, madre soltera, se despierta atada a un árbol donde morirá si no se abre el estomago y saca una cuchilla que alguien le ha dejado dentro. Consigue salvarse y un misterioso hombre la salva de morirse destripada. Cuando ella se recupera este hombre la “educa” para que sea su servicial esposa, viviendo como animales en medio del campo. Pronto descubre otros cadáveres, ella no ha sido la única. Solo una cosa la obsesiona, reunirse con su hija.

El punto de partida es inquietante, pero desde el primer momento queda clara la voluntad videoclipera de los directores, los títulos de crédito avanzan imágenes escatológicas que luego se verán en la película, una especie de avance gore muy silimar a los avances de los culebrones, mala señal. Visualmente es sencilla pero tiene tendencia a la floritura, la imagen es muy nítida, muy limpia, y a nivel de luz por la noche los rayos de la luna pasan entre los enormes árboles, una imagen muy bonita, pero que poco tiene que ver con lo sádico de lo que estamos viendo. Tengo la sensación que hubiera sido más efectivo que en el resultado final la imagen hubiera sido más sucia, más fea, más granulada... lo que hubiera ido más acorde con lo narrado.

El argumento es una excusa tras otra para muestras de crueldad y sadismo sin más, hasta el último plano del film, la debilidad del guión es notoria y en cuanto te haces algunas preguntas no se sostiene por ninguna parte, sino solo por la complicidad con el espectador deseoso de sangre y tripas. Con todo no creo que triunfe demasiado, su único pro es su escatología y crueldad, pero le falta sentido del humor y fuerza, además que provoca una implicación emocional nula. Una pena.

ISOLATION 6 Dir.: Billy O'Brien Con John Lynch, Essie David, Ruth Negga, Sean Harris, Marcel Lures.CUIDADO, MI VACA TIENE UN ALIEN!

Sin mucha ilusión, y porque iban algunos conocidos, me adentré a la que pensaba iba a ser otra película más, perfectamente olvidable, o peor, insultante. Pequeño error. Me encontré con una película sin demasiadas pretensiones, que lograba sobradamente su cometido, a pesar de ser muy poco original y algo predecible. Una buena ambientación, un buen desarrollo del tempo de la tensión en su primera parte, y unos personajes de construcción simple pero dramáticamente aceptables (y es que si algo hay en Irlanda/Gran Bretaña son actores de talento). La historia es muy tópica y hacia prever lo peor: En una granja se estan haciendo experimentos geneticos no muy legales, esta a punto de nacer un carnero, que resulta ser muy violento, dentro de él hay algo muy misterioso que cambia su comportamiento y que crece a gran velocidad. La película utiliza dos claros referentes: 1- “Vinieron de dentro de... “ de David Cronenberg, sobretodo en la primera (y mejor) parte de la película. 2- “Alien, el octavo pasajero” de Ridley Scott, en la parte final, quizás más tópica y floja que la inicial, aunque suficientemente efectiva.

En definitiva una película intrascendente, pero muy entretenida, realizada con pocos medios pero bien empleados, que no aporta nada nuevo pero que esta por encima de la media del cine de terror actual. Lamentablemente no es norteamericana, y no se estrenará en España, y si lo hace será con mucha menos publicidad que la mayoría de bodrios para adolescentes que inundan las salas.

RENAISSANCE 6 Dir.: Christian Volckman EL FUTURO QUE NOS ESPERA.

Curiosa película de animación, visualmente muy poderosa, en blanco y negro muy contrastado, muy al estilo de los comics de “Sin City”, que presenta un futuro dominado por las grandes corporaciones omnipotentes, con grandes rascacielos de cristal, muy a lo “Blade Runner”/”Metropolis”, con submundos decadentes y sus lideres del crimen. El protagonista, muy en la onda de “Los Sobornados” de Fritz Lang o en los protagonistas de la antes mencionada “Sin City”, se obsesiona con el caso que esta investigando, una importante científica desaparecida, que investigaba un asunto por el que hay un importante interés comercial, se enamora de la hermana de la desparecida, recibe palos por todos lados, le quitan la placa, pide ayuda del líder mafioso del submundo, con el que le une el pasado, y finalmente descubre una trama retorcida que hará que se replantee la situación, tomando decisiones definitivas. Su complejo y alambicado argumento, muy en la onda de “Retorno al pasado” y otros clásicos del cine negro con difíciles explicaciones lógicas, dificulta su digestión, teniendo la sensación en ocasiones que se abusa de los tópicos del cine negro y que el guionista no sabe muy bien por donde quiere ir, sin importarle otra cosa que facilitar a los animadores una dosis de imágenes muy espectaculares. Los personajes se mueven como si fueran personas reales, lo que hace imaginar que han utilizado actores reales y que han realizado las animaciones sobre la película (o en el ordenador), con un resultado francamente espectacular.

Visualmente es una gozada, pero argumentalmente mediocre. Hay que apuntarse el nombre del director y rezar porque trabaje con un guión mejor, porque el resultado podría ser muy interesante. Con todo, merece la pena ver esta película.

5- SECCION ORIENT EXPRESS-CASA ASIA

GHOST OF MAE NAK (NAK: RAK TAE WINYARN KWAN TAI) 4 Dir.: Mark Duffiel Con Pataratida Pacharawirapong, Siwat Chotchaicharin,...YO TAMBIEN VEO FANTASMAS

Basada en una leyenda muy popular en Tailandia y dirigida por un británico, el resultado es otra historia más de fantasmas orientales, que vuelven una y otra vez y que se niegan a morir tranquilamente y dejar de dar la vara a los vivos, por mucho que esta vez se trate de una fantasma enamorada y tal... ya sabes, muertes misteriosas, sombras en la oscuridad, sustos varios y varios finales distintos, de esos en los que cuando crees que ya ha acabado la historia, esta se niega a terminarse por mucho que todo el mundo lo desee. Lo más resaltable fueron las risas que soltaron los espectadores, gracias a la inocencia de la propuesta. Pasando pagina.

IMPRINT (MASTERS OF HORROR) 6 Dir.: Takashi Miike Con Youki Kudoh, Billy Drago, Michie, Toshie Neguishi, Kumiko Umai.

Para los que no lo sepáis “Masters of horror” es una serie estrenada en EEUU que reúne a algunos de los más representativos directores de cine de terror de los 80, para recrear una serie de terror como las de antes, con capítulos de casi una hora y con argumento cerrado, donde terror y humor se dan la mano con toda la mala leche característica. Este es el único capitulo que he podido ver, aunque habían otros muy interesantes (como los de Joe “Gremlims” Dante o John “Halloween” Carpenter, este ultimo ambientado en el festival de Sitges... sin comentarios), algunos amigos que los han visto me han asegurado que algunos están muy bien, es especial los dos mencionados. “Imprint” es el capitulo de la polémica, ya que esta dirigida por Takahi Miike, el más polémico y sádico de los directores actuales, capaz de maravillas como “Audition”, locuras como “Gozu” y chorradas como “Izo”, capaz de rodar varios largometrajes al año, siendo siempre su resultado un enigma para sus aficionados.

Por lo que me han dicho este episodio fue censurado por la televisión norteamericana, y no me extraña nada, ya que Miike en vez de controlarse, saca toda su personalidad y su amor hacia el sadismo y la crueldad, sin concesiones a lo políticamente correcto. Visualmente cuidada y a ratos hermosa, el capitulo narra la búsqueda de un occidental de una prostituta con la que quiere casarse, la búsqueda la lleva a una prostituta que tiene la cara un poco deformada y dice haberla conocido. A partir de ahí la prostituta va dando diferentes versiones de la historia ante el intrigado occidental, que parece muy enamorado de la buscada. Por supuesto nada es lo que parece, y lo que se inicia como una historia de amistad entre dos prostitutas se va convirtiendo en cada versión en una historia de celos, crueldad y sadismo, con escenas realmente dolorosas. Finalmente se descubrirá que el occidental no es un santo, y que detrás de ese supuesto amor se esconde algo más oscuro, por lo que recibirá su castigo.

No recomendable para personas de estomago delicado y moralidad mojigata, hará las delicias de los aficionados de Miike, ya que sin encontrarnos en su mejor filmación, este capitulo es un claro ejemplo de su estilo más característico, o almenos por el que es más conocido fuera de su país. Interesante y terrible.

EUROPA IMAGINARIA IL CASANOVA 8,5 POR LA POLLA MUERE EL PEZ

Una de las películas más caras e incomprendidas de Fellini, una superproducción que sigue los últimos pasos de Casanova, un supuesto dios del amor feo y patético, que pasea con su leyenda de gran amante sin comprender que su tiempo a pasado. Para esta película Fellini contó con Donald Sutherland para hacer el papel de Casanova, al que exigió que se le aumentará su calvicie, se le maquillara ridículamente y se comportará como un payaso decadente, Sutherland siempre recordó Casanova como el peor rodaje en el que haya estado jamás y a Fellini como el más cruel y despiadado dictador con el que ha trabajado, pero eso no quita que con ello nos brinde una de sus mejores interpretaciones, está excelente como un personaje anticuado y acabado que se niega a tirar la toalla, viviendo de su ya pasada leyenda. Toda la película esta pasada por el tamiz del exceso, de lo excéntrico y lo decadente, desde su larga duración, la creación de los personajes, la fotografía, el colorido,... o ese espectacular inicio ambientado en los carnavales de Venecia. La película es una de las cumbres del cine de Fellini, donde da rienda suelta a su increíble imaginación visual, sin preocuparse por los limites presupuestarios, y que representa como ninguna otra las virtudes de su cine según sus admiradores, entre los que me encuentro, y todos sus supuestos defectos según sus detractores. Esta película exige ser vista en pantalla grande para poder disfrutarla como es debido, y si puede ser con una copia tan buena como la que proyectaron en el festival, un pequeño gran éxito de este ciclo, que debería de ser mejor tratado por el festival y facilitar horarios más dignos. Con todo es de agradecer tener la oportunidad de verla en tan buenas condiciones.

LANCELOT DU LAC 8,5 CUANDO EL METAL GOLPEA

Es extraño ver una película sobre los caballeros de la mesa redonda en francés, y ese fue el único pero de tan extraordinaria película, extraordinaria por su enorme calidad, y extraordinaria porque se sale del tópico del cine de caballería, siendo una película extremadamente personal, que refleja con toda claridad la personalidad cinematográfica de su director, Robert Bresson, uno de los cineastas más atrevidos y coherentes de la historia del cine (coherencia solo comparable a la de Yasuhiro Ozu).

En el cine de Bresson importa más el detalle que la historia, lo imaginado que lo experimentado. La tendencia de Bresson era no utilizar actores profesionales, porque no quería que se actuara delante de la cámara (cinematógrafo según él), sino que simplemente se “accionara”, por decirlo de alguna manera. Con ello tenemos interpretaciones casi inexistentes, los personajes son de hielo macizo, lo que contrasta con el fuego del argumento: amores imposibles, traiciones, muertes, torneos,... lo que aumenta la sensación de represión de los personajes, el deseo insatisfecho impregna el film, la melancolía... y con ello los personajes se impregnan de un halo romántico y trágico, que al final se vera confirmado.

El montaje en Bresson también es distinto al de cualquier otro cineasta, el consideraba que para que el cine fuera cine, y no teatro filmado, debía eliminar el sentido de cada plano, y que el sentido se adquiriera en el momento que el espectador sumará los distintos planos. Así si tu ves un plano suelto de Bresson podrás ver una acción o una conversación, pero no entenderás su sentido o significado si no has visto los planos anteriores y los siguientes. Para lograr esto se requiere una planificación exhaustiva, casi diría que enfermiza, un control total, que se vislumbra con un montaje aparentemente estático, quizás fantasmal, y que da al film un tono onírico, antinatural, o quizás tan natural que lo veamos antinatural reflejado en la pantalla.

Pero si por algo destaca el cine de Bresson, como si lo que hubiéramos dicho fuera poco, es por su uso del sonido: tanto la música como los ruidos.

Solo hay música en tres partes del film, al principio y al final, la película empieza en una batalla y acaba en otra, lo que le da un tono circular. El único momento dentro de la película donde podemos oír música es durante el torneo de justas, donde Lancelot disfrazado demuestra ser otra vez más el mejor, aunque queda gravemente herido. Para Bresson esta escena de violencia y acción, que sería la favorita de cualquier otro director más preocupado por las palomitas vendidas que por las necesidades de su film, es despreciada, de tal forma que la muestra de forma repetitiva, como si quisiera decirnos que siempre es lo mismo, en el montaje solo vemos caballos a galope con su caballero blandiendo la lanza, y planos de estos caballeros cayendo al suelo, de forma repetitiva, y la música de las trompetas son asimismo repetitivas, a cada caída repetición del sonido, una y otra vez, resultando un autentico coñazo. Una vez más música y montaje son utilizados con un mismo fin.

La utilización del ruido es aún más espectacular, no por lo llamativo sino por el increíble trabajo que hay detrás que no se ve, un sonido aparentemente naturalista, pero que tiene un cuidado enfermizo en puntualizar todos los sonidos existentes, cada vez que se mueven los caballeros se oye el ruido de la armadura, hasta tal punto que es el sonido habitual en pantalla. También se oyen los pasos, el chirriar de las puertas (hay numerosos planos de puertas abriendo y cerrando), etc... ¿y cual es el objetivo de todo esto?, ¿Dónde esta la supuesta genialidad? La genialidad esta en el silencio, el único momento en el que vemos una imagen en total silencio es al final, con todos los caballeros muertos tras la batalla. Pocas veces el silencio ha sido tan poderoso, tan doloroso, tan terrible. ¿Creéis que seria mejor utilizar una música rimbombante a todo volumen? Pues eso es lo que hacen la mayoría de cineastas, Bresson prefiere utilizar el silencio y prepara toda, TODA, película para conseguir ese efecto en especial.

Es una película que solo he visto una vez y me he dejado cosas en el tintero por contar, para no hacerme demasiado pesado. No es una película fácil, ni popular, no será del placer de todos los paladares, pero tiene algo especial, algo único. Es ante todo el trabajo concienzudo de un cineasta que tiene un compromiso total y absoluto con su obra, y que confía ciegamente en la inteligencia y sensibilidad de los espectadores. Como una vez me dijo un amigo: “Gracias a díos no todos los directores son Bresson, pero sobretodo, gracias a díos existe Bresson”. Bresson es además uno de los mejores escritores de cine, su “Reflexiones sobre el cinematográfico” es un libro básico para todo aquel que ame el cine y se pregunte el porque de las cosas.

Ver esta película en pantalla grande justifica de lejos todo un festival.

TIDELAND 6 ALICIA EN EL PAIS DE LAS PARANOIAS ESQUIZOFRENICAS

A pesar de ser una co-producción del Reino Unido, no tengo muy claro cual es la autentica razón por la cual han puesto esta película en esta sección, siendo además la única película de la sección proyectada en la sala grande del auditorio a una hora decente, con lleno total y con la presencia del director. Supongo que a los organizadores querían darse el gustazo de proyectarla con la presencia de Terry Gilliam, que es un freaky muy simpaticote y sus camisas hacen juego con el ambiente playero de Sitges. La peli empezó con unas palabras del susodicho, en las que ponía a parir al publico del festival internacional de San Sebastián, que recibió su película años atrás con silbidos y con abandono masivo de la sala de proyección. Después de los insultos a la inteligencia y sensibilidad del publico donostiarra y los piropos al publico fan-freaky de Sitges, que respondió sus jocosos comentarios con sonrisas y una explosión de aplausos que debió divertir mucho a Gilliam, empezó una película, que no nos engañemos, asustaba a prácticamente la totalidad de los asistentes, a pesar de que la sala estaba plagada de fans dispuestos a aceptarlo todo.

Como suele ocurrir con estas películas que tienen tanta polémica detrás, el lobo no era tan fiero como lo pintaban. “Tideland” es una película excesiva, egocéntrica, barroca, incomoda, imaginativa, desbordante, etc, etc... pero es que todo el cine de Gilliam es así. Los únicos que quizás se pusieron las manos en la cabeza después de verla debieron de ser los productores, ya que no es muy comerciable fuera del ámbito de los festivales y, quizás, las grandes ciudades, por lo políticamente incorrecta que es en algunas cuestiones arguméntales, que son estas: una niña hija de dos drogadictos, ella parece la madre e incluso les prepara sus dosis de caballo. La madre muere y el padre decide irse a una casa de campo abandonada en la que vivió con sus padres. La casa es una piltrafa y el padre muere de sobredosis al poco de llegar, la niña queda sola y se hace amigo de un niño subnormal con el que tiene una relación demasiado cercana, la madre del niño es una especie de bruja sureña que estaba enamorada/obsesionada con el padre de la niña, que la abandonó en el pueblo, y lo diseca. Juntos forman una extraña familia, mientras la niña tiende a vivir cada vez más en un mundo imaginario con las cabezas de sus muñecas... y el argumento no se queda ahí, hay más. Toda la historia tiene un tono pesadillesco, potenciado por las extravagantes angulaciones típicas de Gilliam, pero al principio la niña parece darle a la historia un punto de coherencia/realismo que la salva, a partir de la muerte del padre y el lanzamiento de la niña a ese mundo imaginario, donde queda claro que la niña esta como una cabra, como toda la totalidad de personajes de la historia. Lo más sorprendente es como Gilliam te muestra escenas moralmente terribles, pero como utiliza el punto de vista de la niña en todo momento (en ese punto es muy coherente) le da un tono amoral, aceptando la disecación, la muerte o el sadismo como algo natural.

A pesar de todo esto, las rarezas están en el tratamiento y en la visualización, pero en todo momento se entiende lo que pasa, y que es real e imaginado, por lo que ese efecto de “película imposible”se rompe, quedando más como una película freaky difícilmente comerciable, que como una película de construcción compleja y narrativamente incomprensible, y es que por mucho que se vista de autor, Gilliam esta más cercano a Tim Burton que a Godard o Resnais.