MANDERLAY

FICHA TÉCNICA y ARTÍSTICA:

Director: Ang Lee Montador: Tim Squyres Producción: Ang Lee, James Schamus Fotografía: Eric Gautier Guionista: James Schamus Música: Danny Elfman Reparto: Liev Schreiber, Emile Hirsch, Jeffrey Dean Morgan, Paul Dano, Dan Fogler, Eugene Levy, Kelli Garner, Imelda Staunton

COMENTARIO

Coincidiendo con el 40 aniversario de lacelebración del famoso festival hippie que da título a esta película, Ang Lee estrena Destino: Woodstock, una versión libre, basada en las memorias de Elliot Tiber, que incita a creernos que trata sobre cómo transcurrieron aquellos díasde locura, paz, amor y libertad, pero que en realidad es un descarado intento de colarnos una comedia que aprovecha el tirón de la efeméride antes mentada.

Y es que el nuevo filme del oscarizado director chino-estadounidense, pese a las expectativas temáticas que genera su título, guarda escasa relación con elevento musical del 69. Como crónica sentimental, Destino: Woodstock aporta pocos datos de lo debió ser aquel acontecimiento, y se dedica a narrar, con elfestival como telón de fondo y detonante liberador, la emancipación de su jovenprotagonista con respecto a sus padres, así como su liberación (homo)sexual y consiguiente aceptación de su recién adquirida tendencia.

¿Música? En un segundo término. ¿Política? Sólo una anecdótica referencia a la agitada situación estadounidense de aquel entonces. ¿Mención al auge y caída del hipismo y descripción de sus valores? Muy velada, por no decir sólo intuida por el espectador más voluntarioso. ¿Qué queda del festival en todo esto? Lo suficientemente poco como para defraudarnos: el uso de la multipantalla en homenaje al histórico documental de Michael Wadleigh, una aventurilla del protagonista con los ácidos (alucinaciones lisérgicas y coloristas incluidas) y alguna canción (Doors, Grateful Dead, The Band?).

¿Es Destino: Woodstock una mala película? No, es sólo una comedia amable, mejor que muchas de las astracanadas que atestan nuestras carteleras, pero en ningún caso hilarante, irónica o ingeniosa. Una película que, tras algún retoque argumental, bien podría suceder en Benicàssim. Y es también una constatación: que el director de Brokeback Mountain y Tigre y Dragón se maneja infinitamente mejor en el registro trágico que en el cómico.

Fernando Bermejo

Título: Malditos bastardos (España) / Bastardos sin gloria (Hispanoamérica)

Ficha técnica

Dirección Quentin Tarantino

Producción Lawrence Bender

Erica Steinberg

Guión Quentin Tarantino

Reparto: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Diane Kruger, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Til Schweiger, B.J. Novak

Universal Pictures

COMENTARIO

Era reticente antes de ver la película pensando que Tarantino, en consonacia con sus últimos filmes, sólo seria capaz de una de sus peculiares revisitaciones cinéfilas de serie B/Z con cierta gracia en los diálogos y una potente imagen pop, pero, Inglorius Basterds no es sólo eso sino lo más parecido a una película de autor que Tarantino ha realizado desde sus dos primeros Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Es decir, revisionando los súbgénros cinematográficos con esmero, gracia y audacia visual pero aportando (en esta ocasión más que en algunas de las anteriores) su personal visión del cine. Y es que Inglorius Basterds es también un juego de metacine donde el director es un dios capaz de cambiar el curso de la historia, de aniquilar a su antojo a héroes, heroinas, psicóptas o nazis en cualquier momento de la trama sin que un cuidado y atractivo guión sufra por ello. Tarantino, que llevaba 10 años con la idea de esta película ha disfrutado como un enano malicioso en este film lleno de suspense, violencia y sobretodo sobredosis de humor negro, donde la historia la hacen no los grandes hombres de los libros de historia sino esos héroes individuales llenos de rencor que reclaman venjanza y justícia por las humillaciones sufridas, mientras los grandes hombres de la guerra (memorable el actor austríaco, Christoph Waltz, ganador en Cannes, en el papel de coronel nazi Hans Landa en uno de los más logrados "malos" de la historia reciente del cine), los capos, se dedican a pactar desde sus butacas. De ese modo, Tarantino se erige a través del film como el verdadero general de todos los ejércitos, matando nazis a discreción (y no sólo nazis, eso sería muy poco para él) para cambiar el transcurso de la Historia y quizás para.. (o al menos eso esperaba), crear, como el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) en el papel de cruel Rambo/Che Guevara anti-nazi, una obra maestra, como la que deja marcada en la frente del coronel Hans Landa en última y más improtante obra, después de haber realizado y ya algunos buenos intentos en otras tantas frentes nazis. En cualquier caso, no creo que se trate de una (ni tan siquiera de SU) obra mastera pero si de un filme interesante, divertido y con algunas dosis de genialidad (como en algunas obras de otros tantos directores) que gustará y desagradará por igual incluso a los habituales (aunque también y sobretodo a los "eventuales") de Tarantino. Lo que si está claro es que Tarantino, pese a lo que pudíeramos pensar, no ha dicho aún su última palabra en el mundo del cine.. lo cual nos alegra.

PD Por cierto, peor crimen que los cometidos por nuestros villanos/héroes del celuloide sería no ver en V.O.S. una película donde el uno de las diferentes lenguas es básico en el guión (alemán, francés, ingles e italiano) y una extraordinaria muestra de buen uso de esa potente recurso que va más allá de lo formal.

Òscar Herrera

Títol original: Okuribito

Dirigida per: Yojiro Takita

Guió: Kundo Koyama

Producció: Toshiaki Nakazawa

Música: Joe Hisaishi

Fotografia: Takeshi Hamada

Durada: 130

Color: Color

Nacionalitat: Japó

Any: 2008

Repartiment: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kimiki Yo, Takashi Sasano, Kazuko Yoshiyuki.

COMENTARI

Desil•lusionat per allò que pensava que era la seva passió, la música, Daigo Kobayashi decideix anar-se’n de Tokio i instal•lar-se en el poble on va nàixer, amb la seva dona Shouei Sasaki que el recolza en tot moment, sempre amb un somriure als llavis, tot eixirà bé.

Una vegada instal•lats en la que era ca sa mare i on ell va nàixer, comença la recerca de treball, la qual no dura massa, ja que decideix (o més bé li fan decidir) dedicar-se a una de les professions menys sol•licitades que vos pugueu imaginar: amortallador (“nokanshi” en japonés), és a dir, aquell que prepara al mort abans de que aquest siga soterrat.

És interessantíssim veure com una professió tant aparentment desagradable com puga ser la d'un amortallador cobre tanta vida en aquesta pel•lícula. La delicadesa dels gestos, siga qui siga la persona, l’elegància amb la que ho fan, la tendressa que desprenen en cada moviment…és fins i tot bonic de veure. És com estar mirant algú realitzant una exposició d’un art marcial: metòdic però bell.

I es que la mort és la realitat més quotidiana, per molt que intentem ignorar-la, i sempre trista, per molt preparats que estiguem. Al llarg de la història veiem com el personatge principal va evolucionant a través dels diferents treballs que va realitzant, compartint el dolor de les persones per a les que treballa i intentant fer d’un moment tant desagradable com l’amortallament, el millor comiat possible de la família cap al difunt.

És curiós veure com és aquest procés en Japó, tota una cerimònia! el mort es renta, vesteix i maquilla, davant de tota la família, i posteriorment es diposita al taüt. La gent s’acomiada del mort quan acaben de maquillar-lo, xiquets i xiquetes inclosos, des de ben xicotets.

La idea de portar a terme aquesta pel•lícula va ser de l’actor, Masahiro Motoki (japo de bon veure, tot s’ha de dir :p) al llegir un llibre titulat “Diario de un amortajador budista” de Shinmon Aoki, “ me turbó profundamente y empecé a interesarme por los lazos que unen la vida y la muerte. Me fascinó la profesión de amortajador” diu l’actor en una entrevista que li van realitzar recentment. Cal destacar el paper que fa aquest home, està genial.

“Okuribito” va obtenir l’Oscar a la millor pel•lícula estrangera en 2009, i 10 premis de l’Acadèmia Cinematogràfica Japonesa, entre ells: Millor pel•lícula, Millor director, Millor Actor i Millor guionista.

Anna Wilder

Director: Cesc Gay.

Actors: Vicenta N´Dongo, Andrés Herrera, Paul Berrondo, Ágata Roca.

Guió: Cesc Gay, Carol López.

Música: Joan Díaz.

Producció: Marta Esteban.

Direcció de fotografia: Andreu Rebés.

Muntatge: Frank Gutiérrez. Ayudante de dirección: Fernando Trullols.

Muntatge de so: Marisol Nievas. Sonido directo: Albert Gay.

Direcció d'art: Llorenç Miquel.

Direcció de producció: Goretti Pagès.

FITXA ARTÍSTICA:

Clara: Àgata Roca.

Vicky: Vincenta Ndongo.

Ander: Andrés Herrera.

Manu: Pau Berrondo.

COMENTARI

Basada en l'obra de teatre de Carol López, l'adaptació de Gay ens recorda molt i molt en Woody Allen, on com a rerefons de les discusions de parella d'uns joves de classe mitja d'entre 30 i 40 no hi ha la bellesa de Manhattan sinó la de Barcelona. De fet, com ja hem dit mil vegades, no hagués calgut una peli d'Allen rodada a la nostra ciutat si el resultat havia de ser la infumable "Vicky, Cristina, Barcelona", ja que a casa tenim directors, al menys un d'ells (un alumne avançat del mestre) que pel que fa a situar les seves obres a Barcelona ho fa molt millor que el mestre.

V.O.S. és un joc entre l'espectador, els actors (i per exentensió l'autor), un joc on la quarta paret que és el públic (i que en l'obra teatral interactua amb els actors mostrant el seu favor o disgust) s'ha substituït per algunes mirades a càmara, i algun comentari dirigit directament a l'espectador (a més de mostrarnos tota la resta de trampes d'un estudi mentre es roda una pel·lícula), que serveixen per crear una complicitat no gaire fàcil de trobar en el cinema, on justament fer això ha estat considert sovint com el més anticinematogràfic, però Gay ho aconsegueix de forma natural, perquè en definitiva l'obra tracta sobre la veritat i la mentida, la realitat i la ficció, i sobretot l'artificialitat (al menys formal) que suposa fer una pel·lícula, però malgrat aquesta artificialitat en la forma, una pel·lícula, una obra, parla de la única cosa que port parlar, de realitats, de persones i dels grans o petits problemes d'aquestes persones.

A nivell interpretatiu, els 4 actors són els mateixos que en l'obra teatral: Àgata Roca (parella real de Cesc Gay) i que ens recorda per moments gairebé a la Mia Farrow dels films Allen, Vicenta N'dongo (com més gran més guapa està aquest dona) amb un personatge de dona espontània i divertida (com ella mateixa sembla ser), Andrés Herrera (magnífic en el paper d'Anders) i Paul Berrondo. Tots ells estan a un gran nivell i de ben segur cadascu dels espectadors té els seu/seva favorit/a.

Finalment, Cesc Gay, com sempre voldria que el film es veies en V.O.S. (si veieu la pel·lícula veureu que de qualsevol altra manera que no sigui en versió original multilingüe el film perd part del seu sentit) però segurament en molts cinemes no podrà se així, ja que sembla que s'ha hagut de fer una versió doblada. Parafraseixant el que ell mateix ens deia a l'entrevista que li vam fer amb motiu de "Ficció", de vegades no recordem que en algunes coses vivim en un pais tercermundista.

Òscar Herrera

Título original: Aruitemo, aruitemo

Dirigida por : Hirokazu Kore-eda.

Calificación : Calificación pendiente

Duracion : 114

Color : Color

Nacionalidad : JAPÓN

Año : 2008

Reparto : Yoshio Harada, Kirin Kiki, Hiroshi Abe, Kazuya Takahashi, Shohei Tanaka, Hotaru Nomoto, Ryoga Hayashi, Tomoya Taguchi, Keisuke Tanaka, Miyuri Kudo

Estreno en España: 5 de Junio de 2009

STILL WALKING es un magnífico drama familiar que en esta ocasión nos recuerda muchísmo al Ozú de films como "Cuentos de Tokyo", con una historia sencilla y emotiva que consiste en mostrarnos lo que sucede en escasas 24 horas de reunión familar para rememorar la trágica muerte de uno de los hijos de los ya ancianos abuelos de la família. Allí se encontraran tres generaciones: abuelos, hijos y nietos y aparaceran los reproches, los temores, los miedos, las dudas, las culpas, la sueños, las añoranzas, los deseos...

Una emotiva y excelente muestra del mejor cine japonés de corte realista y clásico. Brillante, sutil, emotiva y levantando aplausos como no podía ser de otra manera. Una nueva muestra del mejor cine humanista desde el país del sol naciente.

Still Walking ****

Òscar Herrera

COMENTARIOS

A estas alturas ya nadie duda que Clint Eastwood es uno de los directores más interesantes de Hollywood de los últimos años. En esta ocasión, con una película menor (en cuanto a medios, ausencia de grandes estrellas, presupuesto..) nos lo vuelve a demostar.

Gran Torino es, tal como Eastwood insinúa con su film, el final de aquel personaje que popularizó el actor i director unas décadas atrás. Wally es un personaje que representa lo mismo que representó el Sargento Callahan. Un presonaje reaccionario que no duda que la mejor solución posible delante de cualquier conflicto es el "ojo por ojo". Ahora bien, cuando Wally, un ser dolido, utilizado y maltratado por su "propia sociedad" (ex combatiente de Corea, empleado en una cadena de montaje durante 50 años..) que lo único que ha recibido de ella es una medalla por sus crímenes cometidos en Corea, cuando hoy mira hacia dentro no encuentra más que culpa y dolor y mirando a su alrededor lo que observa distante es un barrio, y por extensión una América, a la que parace ya no reconcer. Sus vecinos orientales tienen comportamientos que él no entiende, que no sabe interpretar, que (aparantemente) forman parte de otro código diferente al suyo, la cual cosa provoca en Wally la reacción más primaria del rechazo. Mientrastanto, sólo consigue relacionarse, con su particular (sentido del) humor, con los WASP del barrio (ya pocos) o con algunos de restantes blancos que aún quedan en el barrio (cada vez menos) como su barbero de origen italiano.
Todo cambia, sin embargo, cuando el personaje de Wally/Callahan ha de poneres de nuevo manos a la obra para "pacificar" el barrio. Llegado ese momento Wally ya ha tenido tiempo, gracias a un mejor conocimiento, de darse cuenta de quiens son "los buenos" y quienes "los malos". Ahora "los buenos" puede que tengan los ojos rasgados pero son, como siempre, aquellos que tienen valores, siguen las normas y respetan la tradición. Eso es lo que hace que él, desecho por fin de sus prejuicios básicos, pueda conectar con ellos, en opisición a esa nueva América autocomplaciente, instalada en la superficialidad, el consumismo sin sentido y la mera ambición económica, represetada por sus hijos, nuera y nieta.
Así que Wally debe salvar América de nuevo, no de la supreficialidad y la estupidez (tarea ya imposible) sino dejando fuera de juego a quien incumple las normas (escritas y tácitas) de una sociedad (hasta ahora) basada en el esfuerzo y la (presunta) igualdad de oportunidades. Pero esta vez Wally/Callahan lo hará de otra manera...

Òscar Herrera

La muerte es el arranque y el final del círculo de la última historia de un Clint Eastwood se reinventa de nuevo a partir de las obsesiones que ya vimos en Mystic River: la culpa, el perdón y las transformaciones de la sociedad americana.
Si los hermanos Coen escarvaban en No es país para viejos en el declive de la América tradicional de los pioneros desde el thriller; Eastwood se atreve con una historia personal, sobre el cambio de la America urbana, de ciudades y barrios donde han convivido generaciones de polacos, italianos, irlandeses .. y de los que ya marcharon las nuevas generaciones dando paso a nuevos vecinos.
Walt Kowalsky, un veterano de la guerra de Corea, jubilado de la cadena de la Ford, todavía vive en el barrio de siempre, aferrado a sus obsesiones y sus costumbres..Más solitario que nunca, tras la muerte de su mujer y con unos hijos de los que se siente muy alejado, soporta a duras penas a sus nuevos vecinos orientales.Cara de pomelos, rollitos de primavera, amarillos y otras lindezas son algunos de los calificativos que usa Walt para referirse a ellos.
Gran Torino, su coche Ford de coleccionista, un modelo que el mismo fabricó y por el que siente una auténtica pasión es el macguffin para una historia de redención y sacrificio. Una metáfora de la América culpable que ha de reinventarse y dejar paso a los nuevos americanos...americanos de ojos rasgados como Tao.

Aurora Igual

Título: El luchador (The wrestler)

Título original: The Wrestler

Dirección: Darren Aronofsky

País: Estados Unidos

Año: 2008

Fecha de estreno: 20/02/2009

Duración: 105 min.

Género: Drama

Calificación: No recomendada para menores de 18 años

Reparto: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood,Judah Friedlander, Ajay Naidu, Mark Margolis, Ashley Springer, Angelina Aucello, Giovanni Roselli, Marcia Jean Kurtz, Todd Barry, Vernon Campbell, Ernest Miller

Guión: Robert D. Siegel

Web: www.widepictures.es/elluchador

Distribuidora: Wide Pictures

Productora: Saturn Films, Protozoa Pictures

COMENTARIO

A Aronofsky se le agradece que deje sus excesos visuales y se centre en el alma de sus personajes. Hasta ahora, esto segundo casi no existía en su filmografía y de lo primero había demasiado. Con "The Wrestler", Aronofsky se acerca mucho más a su personaje protagonista, a su mundo interior y a su patética cotidienaidad, pero lo hace, por primera vez, con el máximo de rigor y respecto.

Probablemente "The Wrestler" es algo así como el homenaje que el propio Aronofsky regala a Mickey Rourke, y probablemente por eso nos encontramos con un personaje con el cual podemos empatizar desde el primer momento, pese a su patetismo. "The Wrestler" es una película de perdedores como tantas otras (bueno, seamos realistas, como tan pocas otras en cine de hollywood de hoy), con un estilo cercano al cine indie, con muchos momentos de cámara en mano, una cámara que acompaña a nuestro (anti)heroe, que se cuela en su casa, entre sus sábanas, en el club de "alterne", en el cuadrilátero.. y que se adentra en su alma, porque por fin Aronosfky ha sabido transmitir el alma en uno de sus personajes, y Rourke, que seguro que se ha tomado el papel como un reto y como una superación personal y profesional solamente ha tenido que hacer de alter ego de si mismo, y ha sabido hacerlo y transmitirlo.

Sobre la estructura del film, si bien el desenlace es quizás precipitado y hay un cierto desequilibrio, no decae en ningún momento y por fin, con una estructura sencilla, Aronofsky resuelve sin dificultad. Es capaz de hacernos sentir ese mundo interior sin llenarnos la cabeza de imágenes impactantes, aceleradas y nada sutiles y sin primeros planos quirúrquicos y músicas machaconas. Pero tampoco nos engañemos, en The Wrestler hay brutaliad, pero la justa, la propia de una historia de un tio bruto, muy bruto, pero un tio no muy diferente a cualquier otro ser humano débil y herido.

Así que hay que felicitemos a Aronofsky por su última propuesta y esperamos que en un futuro sea capaz de mostarnos aun cosas mejores, ahora que parece que ya ha dejado los video-clips con imágenes impactantes y excesos narrativos y se empieza a centrar en historias sencillas, directas y con algo más de profundiad y menos maniqueismos. Marisa Tomei, por cierto, vuelve a estar fantástica, después de que la viéramos (y se las viéramos, jeje) en la última película del octagenario y magnífico Sidney Lumet.

Òscar Herrera

Títol original: Import/Export

País i data: Àustria, 2007

Durada: 141 minuts

Productora: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH / Société Parisienne de Production / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) / Österreichischer Rundfunk (ORF)

Distribuïdora: Aquelarre Servicios Cinematográficos

Gènere: drama

Repartiment: Ekateryna Rak (Olga), Paul Hofmann (Pauli), Michael Thomas (Michael)

Direcció: Ulrich Seidl

Producció: Ulrich Seidl, Lucki Stipetic

Guió: Veronika Franz, Ulrich Seidl

Disseny de so: Erik Mischijew, Matz Müller

Fotografia: Edward Lachman, Wolfgang Thaler

Muntatge: Christof Schertenleib

Data d'estrena: 09-01-2009

COMENTARI

Ucraïna i Àustria es troben lligades per dos viatges de sentit oposat. El primer és el d'Olga (Ekateryna Rak), una mare soltera ucraïnesa que deixa enrere la família i la feina d'infermera per a guanyar-se la vida com a empleada de la neteja a Àustria. El segon és el d'un jove ex guarda de seguretat, Pauli (Paul Hofmann), que viatja cap a l'Est amb el seu padrastre per a instal·lar màquines escurabutxaques.

Aquest és el relat d'Import/Export, de l'austríac Ulrich Seidl, un llargmetratge alhora sorprenent i angoixant que a Barcelona només s'ha estrenat en una sala comercial. I paradoxalment ho ha fet en versió doblada, reduint a l'absurd els conflictes lingüístics que sorgeixen en les històries i que fonamenten en part la sensació d'estrangeria dels seus protagonistes.

Aquests són personatges desemparats, abandonats en un món de capitalisme degradat, de la mateixa manera que la posada en escena de Seidl es torna a vegades freda i implacable, en pla general, amb una rigidesa simètrica que oprimeix els individus i una distància que ens permet apreciar el sense sentit de les seves existències. No en va, la història de Pauli s'inicia amb un moviment inútil en cercles, el de l'entrenament de guardes de seguretat, i es puntua amb gestos absurds i repetitius durant bona part del metratge: crits d'amenaça assajats, cops de puny de prova, el rebot d'una pilota a una paret o el balanceig del gronxador d'un parc.

Aquests moviments sense sentit es poden connectar, per la seva inutilitat, amb les lamentacions dels dements del centre geriàtric on treballa Olga, tot suggerint que la vida de Pauli no emprèn un camí més clar que la dels ancians a la fi dels seus dies. Afortunadament, el viatge permetrà al jove copsar les misèries occidentals en la figura del padrastre, i llavors escapar: el seu desenllaç no és un cercle sense sentit, sinó una línia recta de fugida que vol marxar lluny de l'absurd i la immoralitat que l'envolten. Olga, per la seva banda, comença treballant amb nens petits i acaba fent-ho amb vells decadents: el seu trajecte va d'Ucraïna, un país encara jove, que es vol obrir camí, a Àustria, un antic imperi convertit en petit estat centreeuropeu. Un cop ha deixat enrere la seva mare i la filla, en el nou país tot intent d'esbargiment xocarà amb la fredor, una capa gèlida en les relacions humanes representada en el guant que necessita per a saludar el seu company de feina. Quan vulgui acostar-se als nens de la casa on neteja o als interns del geriàtric la mare o la infermera tallaran d'arrel aquesta possibilitat de relació.

A Import/Export només les seqüències de ball són capaces de trencar amb la inhumanitat que envolta els personatges, i per això un dels seus plans més poderosos és aquell en què Olga decideix acostar-se a un dels interns del centre i ballar amb ell.

Aquests moments obren una escletxa de calidesa, però la decadència del sistema és impossible d'amagar, de la mateixa manera que les disfresses no poden ocultar els rostres vells i arrugats que poblen la residència, i la ficció de Seidl no dissimula que es troba constantment travessada per un documentalisme sense concessions.

Això és el que provoca que la pel·lícula d'Ulrich Seidl sigui incòmoda i valenta, una autèntica mescla de captació de la realitat i poder de la posada en escena que la converteixen en una peça excepcional, encara que hagi de visitar Barcelona pràcticament marginada de les pantalles.

Albert Elduque

Duda razonable

Un año después del asesinato de JFK, una escuela católica de los EEUU se debate entre el tradicionalismo docente de su directora, interpretada por la veterana Meryl Streep, y el aperturismo humanista del párroco del colegio, personaje a quien da vida Philip Seymour Hoffman. Entre ambos hallamos ejerciendo de bisagra a la hermana James, una joven monja, profesora del colegio, cuyas dudas a la hora de tomar partido por uno u otro bando serán plenamente compartidas por el espectador.

Galardonada con los premios Pulitzer y Tony, “La duda” se trata de una pieza teatral adaptada a la gran pantalla por su propio autor, John Patrick Shanley, director también de la intrascendente Joe contra el volcán (1990). Shanley no sólo se muestra mucho más serio y profundo que en su debut cinematográfico, sino que, lejos de conducir su nuevo film por los fáciles derroteros del maniqueísmo más primario y visceral, mantiene hasta los créditos finales nuestra incerteza acerca de los verdaderos sentimientos y motivaciones de los dos “contendientes”. ¿Es la hermana Aloysius Beauvier una malintencionada mujer interesada en desacreditar al padre Brendan, o bien es la única que ve las secretas e indecentes intenciones que éste tiene sobre un alumno?. Quizá deliberadamente, esta duda irresoluta acabará eclipsando el debate educacional planteado minutos antes y confundirá las verdaderas intenciones del film, haciendo así honor al título de la película y alejándose de otras que, como Priest o Las hermanas de la Magdalena, únicamente pretendían afrentar a la Iglesia católica.

Como no podía ser de otra manera, La duda se mueve por unos parámetros bastante teatralizados. Sus acciones, que transcurren en interiores y escenarios limitados visualmente, encuentran en la dialéctica y en los envites verbales su principal dinamizador. Indudablemente, la severa interpretación de Streep y la apaciguada melancolía que casi siempre desprende Seymour Hoffman dotarán a estos diálogos de mayor profundidad y carga dramática. Sin embargo, no nos encontramos ante un mero ejercicio de teatro filmado. John Patrick Shanley acompaña diálogos e interpretaciones con un buen surtido de imágenes simbólicas que de forma bella y constante subrayarán muchos de los sentimientos de sus personajes, confirmándole de paso como un director conocedor del medio, y no como un prestigioso literato que se sitúa detrás de una cámara para adaptarse a sí mismo.

Fernando Bermejo

TITULO ORIGINAL El truco del manco AÑO 2008 DURACIÓN 87 min. PAÍS España DIRECTOR Santiago A. Zannou GUIÓN Santiago A. Zannou, Iván Morales MÚSICA Albert Pascual FOTOGRAFÍA Woulfrank Zannou REPARTO El Langui, Ovono Candela, Javier Iglesias Bustamante, Elio Sagües PRODUCTORA Media Films S.L.

Estreno en España: 16/01/09

 "Cuajo Adolfo Barcelona"

A ritmo de rap callejero, El truco del manco nos narra la historia de "Cuajo" y Adolfo, dos colegas que sueñan con tener su propio estudio de grabación. El "Cuajo", discapacitado físico con serios problemas de movilidad (un papel hecho a la medida de "El Langui", quien padece una parálisis de nacimiento), es todo arrojo y tesón ante las dificultades. En cambio, Adolfo, un mulato toxicómano cuyo padre tiene serios problemas con la bebida, representa el desengaño y la apatía.

Lejos de la estampa turística de Vicky Cristina Barcelona y de la realidad aburguesada y catalano-hablante de los films de Cesc Gay, el debutante Santiago A. Zannou nos retrata una Barcelona dura y gris, la Barcelona de la marginalidad, la inmigración, los gitanos, la droga y "el trapicheo", si bien es cierto que El truco del manco podría suceder en cualquier barrio periférico de cualquier urbe española.

En su ópera prima, Zannou entrecruza el cine quinqui de Jose Antonio de la Loma (Perros Callejeros, Yo, El Vaquilla) y Eloy de la Iglesia (El pico) con el realismo social más crudo e impactante, no en vano el director revindica Los Olvidados de Luis Buñuel como una de sus películas de cabecera. Para aportar al film el realismo y la visceralidad necesarios, Zannou ha apostado por un estilo visual áspero, opresivo y nada embellecido, y por un reparto no profesional que combina la voluntariosa pero a veces forzada interpretación de "El Langui", miembro de la banda de Hip-hop La Excepción, con el convincente y destacable trabajo de Ovono Candela.

Durante buena parte del metraje, la historia transmite un conveniente hado trágico, tan acertado que llega a abatir al espectador sin resuello alguno. Sin embargo, el mensaje final de autosuperación, algo aleccionador en sus conclusiones, acaba suavizando esta notable impronta trágica, haciendo del film un producto más convencional de lo que prometía en su desarrollo. Con todo, nos hallamos ante un dignísimo debut y, con diferencia, la mejor película de la presente (y mediocre) edición de los Goya.

Fernando Bermejo